S'il est souvent associé au mouvement impressionniste, Paul Cézanne (1839-1906) s'en détache pourtant rapidement. Ses recherches esthétiques sur les volumes, la perspective, les formes et les couleurs, à travers de nombreuses peintures mortes, mais aussi les paysages de sa Provence natale, l'amènent progressivement vers l'abstraction et font de lui un précurseur de l'art moderne. Découvrez l'évolution d'un peintre qui a su transposer en peinture sa vision unique du monde.

Cet ouvrage sur l'âge d'or danois est une invitation à découvrir un courant pictural singulier et attachant, sans équivalent alors en Europe. Plus de deux cents oeuvres de peintres phares - comme Eckersberg, Købke, ou Rørbye - illustrent cette période artistique florissante comprise entre 1801 et 1864. Si leurs tableaux témoignent de l'identité politique, économique et culturelle du Danemark au XIXe siècle, ils se distinguent aussi par leurs sujets intimes : réunions familiales, modestes coins de nature, artistes dans leurs ateliers ou en voyage...

À la lumière des recherches effectuées au cours des dernières décennies, cette synthèse inédite propose un nouvel éclairage sur l'âge d'or de la peinture danoise.

Camille Pissarro (1830-1903) est un peintre incontournable du mouvement impressionniste. Grand coloriste, l'artiste est un maître incontesté de la lumière. Doté d'une sensibilité saisissante à la nature, il trouve son inspiration avant tout dans les thèmes champêtres. Champs et villages, animés parfois de silhouettes de paysans, nous donnent une vision idéalisée de la vie rurale du xixe siècle dont Pissarro n'a pourtant pas manqué de représenter l'industrialisation rapide en peignant les ports du Havre, de Dieppe ou encore de Rouen.

Inventé à partir de la boutade ironique d'un critique d'art sans qualité, le mot "impressionnisme" désigne moins un mouvement cohérent que la rencontre d'un groupe de peintres, soudé par le même rejet de l'académisme, qui choisirent d'exposer ensemble leurs oeuvres, entre 1874 et 1886. Qu'y a-t-il de commun, en effet, entre les paysages ruraux aux tons sourds de Pissarro et les coulisses de l'Opéra, traversées de lumière électrique et de tulle multicolore, peintes par Degas ?
Né sous le signe de Manet, l'impressionnisme s'oppose profondément à la conception classique de l'art et annonce l'avènement d'un nouvel ordre esthétique. Travail en plein air et sur le motif, scènes de la vie moderne et quotidienne, couleurs claires et juxtaposées, style inachevé "non fini", touches visibles et légères, vibration de la lumière, effets de cadrage : en moins de vingt ans, en fixant tout un monde de sensations et de visions éphémères, ces artistes ont réalisé l'une des révolutions les plus importantes de l'histoire de la peinture.
Outre le récit "historique", cette histoire de l'impressionnisme expose pleinement les caractéristiques de cette "nouvelle peinture" et la singularité qui, en dépit d'un projet commun, distingue les artistes du groupe des Batignolles. Elle révèle par ailleurs comment l'impressionnisme influencera les artistes à l'étranger (Angleterre, États-Unis, Espagne, Scandinavie ...), résonnera dans les autres arts (musique, littérature, photographie, cinéma) et conduira aux néo - et post-impressionnisme puis aux grandes mutations du XXe siècle, telle l'abstraction.
Lire la suite Fermer

Aujourd'hui, les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) sont parmi les plus connues et les plus célébrées dans le monde. Les Tournesols, La Nuit étoilée ou l'Autoportrait à l'oreille bandée, parmi tant d'autres de ses peintures et dessins, laissent transparaître la dextérité unique de l'artiste à représenter les ambiances et les lieux par la peinture, le crayon, le fusain ou le pastel.
Pourtant alors qu'il déployait les couleurs vibrantes en touches expressives et les formes au contour délimité qui allaient faire sa renommée, van Gogh luttait contre le désintérêt de ses contemporains, mais aussi contre ses crises de folie. Ses épisodes de dépression et d'angoisse ont finalement eu raison de lui, puisqu'il se suicida en 1890, peu après son 37e anniversaire.
Cette introduction richement illustrée retrace la vie de Vincent van Gogh: ses premières oeuvres figurant paysans et ouvriers agricoles, sa lumineuse période parisienne et son dernier sursaut créatif, plein de frénésie, durant les deux dernières années de sa vie qu'il passa dans le Sud de la France. Lire la suite Fermer

En 1848, trois étudiants de la Royal Academy, à Londres, créent la confrérie préraphaélite et imposent un nouveau style basé sur l'observation directe de la nature. Leur mot d'ordre ? Retrouver une simplicité et une vérité qu'ils estiment perdues depuis Raphaël, à travers un art de lumière et de couleurs vives, de poésie et de séduction.
En six chapitres thématiques, l'art religieux, la littérature et la mythologie, le paysage, la vie quotidienne, le portrait, les arts décoratifs, ce livre dévoile les incontournables et les oeuvres plus secrètes d'artistes comme John William Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, William Morris ou Lawrence Alma-Tadema.

Iconographie abondante et spectaculaire, comprenant des oeuvres très connues mais aussi des tableaux plus souvent confidentiels (tableaux, dessins, papiers peints, tapisserie, vitraux, céramique).
Lire la suite Fermer

L'affiche concoctée par Toulouse-Lautrec (1964-1901) pour vanter les plaisirs du Moulin Rouge est sûrement celle qui est restée la plus emblématique du célèbre cabaret, dont le dessinateur était un grand habitué.

Pilier du cercle des artistes bohèmes de la fin du XIXe siècle, on reconnaissait facilement la petite silhouette de Toulouse-Lautrec sillonner dans les rues et cafés de Montmartre; il aimait se déguiser au grand bonheur de ses amis photographes et l'exhibition était une de ses provocations favorites.
Ses toiles sont ainsi les témoins des scènes de la vie des artistes de l'époque : au bal, au spectacle ou au fond des cafés. On garde aussi de lui de nombreux et touchants portraits de femmes, la plupart des prostituées, dont il vantait la qualité de modèle, dans leur vie quotidienne.
Lire la suite Fermer

Découvrez comment des scènes de la vie quotidienne et de délicates touches de couleur ont choqué le monde établi de l'art. Cette introduction de la Petite Collection 2.0 de TASCHEN à l'impressionnisme présente les artistes, les sujets et les techniques qui ont fait sortir les chevalets des ateliers et poussé les artistes à abandonner l'histoire, la religion et le portrait pour saisir le flux et le reflux évanescents de la vie moderne.
Cette balade dans les théâtres, les cafés et les squares de Paris et de ses environs révèle leurs innovations radicales dans le style et les sujets, du principe de la peinture «en plein air» aux coups de pinceau rapides et saccadés grâce auxquels les impressionnistes mettaient en valeur la spontanéité, le mouvement et les qualités changeantes de la lumière. On regarde d'un oeil nouveau leurs perspectives non conventionnelles et leur palette de couleurs pures et sans mélange, des teintes souvent vives qui éclairent la toile d'une toute nouvelle intensité chromatique.
En chemin, on croise les grandes figures de l'impressionnisme comme Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot et Camille Pissarro, ainsi que des artistes plus confidentiels qui méritent un réel intérêt, parmi lesquels Marie Bracquemond, Medardo Rosso et Fritz von Uhde. Lire la suite Fermer

Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo): belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.
S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des «Cent vues célèbres d'Edo» (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.
Cette réédition a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de «japonisme», qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler. Lire la suite Fermer

Hiroshige (1797-1858) est l'un des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Il se distingue par une approche poétique de la nature : ses paysages, bien que réalistes, sont toujours teintés d'onirisme grâce à la manière dont l'artiste joue avec la lumière, les dégradés de couleur, le rendu atmosphérique. Des scènes de genre se profilent généralement au premier plan nous plongeant dans le quotidien des Japonais au xixe siècle. L'art d'Hiroshige va marquer incontestablement l'histoire de l'art, non seulement par l'influence qu'il a eue sur les impressionnistes, mais aussi par la fascination qu'il exerce encore aujourd'hui.

Ce beau-livre grand format (28,1 cm x 31 cm, 504 pages) présente l'histoire de la peinture française de la Belle époque au symbolisme.
La Belle époque, avec les artistes tels que Jean Béraud et James Tissot. Puis, le naturalisme avec l'école de Barbizon, le réalisme avec Gustave Courbet et enfin les oeuvres de Manet, précurseur de l'impressionnisme. Les artistes phares du mouvement impressionniste sont : Caillebotte, Degas et Monet. Après l'impressionnisme vient le pointillisme puis Paul Gauguin et les Nabis avec Pierre Bonnard et l'école de Pont-Aven. Le symbolisme vient clôturer ce livre avec notamment le peintre Gustave Moreau.


-La Belle Époque ;
-Le Naturalisme ;
-Le Réalisme ;
-Les précurseurs de l'impressionnisme ;
-L'impressionnisme ;
-Le postimpressionnisme ;
-Paul Gauguin et les Nabis ;
-Le symbolisme ;
Lire la suite Fermer

C'est un ouvrage créatif, une sorte de performance. Ses directeurs ont proposé aux écrivains et intellectuels russes et français de choisir chacun un tableau russe du xixe siècle, la période la moins connue de tout l'art russe, dont l'Occident ne retient que les icônes et les avant-gardes. Le xixe siècle russe est surtout connu grâce à sa littérature et sa musique. Or la peinture russe de cette période est tout aussi passionnante et se trouve d'ailleurs souvent en relation étroite avec les autres arts. Ce sont ces tableaux, très variés - peinture d'histoire, de genre, portraits et paysages - que tout Russe connaît pas coeur ; ce sont ce qu'on appelle aujourd'hui les lieux communs de la culture russe. Une collection de 30 essais consacrés chacun à un tableau permet d'approfondir sa compréhension de la culture russe. C'est aussi pour le lecteur une véritable école de regard.
Lire la suite Fermer

Comment regarder l'oeuvre de Frédéric Bazille, mort au combat en 1870 lors de la guerre franco-prussienne alors qu'il n'était âgé que de 28 ans?
Une soixantaine de tableaux est parvenue jusqu'à nous, chacun constituant un défi, un jalon, pour le jeune artiste nous permettant d'être attentifs à sa progression vers l'expression toujours plus personnelle de son « tempérament », selon les mots de l'époque.
« Maman me laisse voir dans sa lettre que vous avez toujours de l'inquiérude à mon sujet. Vous craignez que je ne travaille pas, que je vous oublie, rassure-toi mon cher père, je travaille en ce moment avec beaucoup d'assiduité, Monet prend la peine de venir me réveiller tous les matins et je passe toutes mes journées dans son atelier à peindre d'après le modèle vivant. Il faut que je fasse beaucoup de figures cet hiver, je compte même ne faire que cela, pour pouvoir bien profiter du printemps et de l'été à la campagne. » Lettre à son père, vendredi 6 janvier 1865 Événement : Le musée Fabre de Montpellier présente l'exposition Frédéric Bazille, la jeunesse de l'impressionnisme du 25 juin 2016 au 16 octobre 2016, Cette exposition sera ensuite présentée au musée d'Orsay du 15 novembre 2016 au 5 mars 2017, puis à Washington D.C., National Gallery of Art, du 9 avril au 9 juillet 2017.
L'oeuvre de Frédéric Bazille est présente dans plusieurs musées français et particulièrement :
- Montpellier, musée Fabr
Lire la suite Fermer

Célèbre dans le monde entier pour ses chefs-d'oeuvre impressionnistes, le musée d'Orsay conserve des milliers de tableaux, de sculptures et d'objets d'art décoratif des plus grands artistes de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle.
De Gustave Courbet à Paul Gauguin et Van Gogh en passant par Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Gustave Caillebotte, Berthe Morisot, Édouard Manet, Paul Cézanne, Maurice Denis ou Pierre Bonnard, redécouvrez les 300 plus belles oeuvres du musée d'Orsay, replacées dans le contexte historique, esthétique et stylistique de leur époque.

Catalogue officiel de l'exposition Charles Gleyre (1806-1874) Le romantique repenti au musée d'Orsay du 10 mai au 11 septembre 2016. La France n'a jusqu'à présent jamais consacré d'exposition monographique à Charles Gleyre. Pourtant, celui-ci occupe une place majeure dans la peinture académique à Paris au milieu du XIXe siècle.

La perfection lisse de sa facture et ses sujets majoritairement mythologiques ont pu longtemps faire croire à un esthète froid, conventionnel et aveugle aux révolutions de son temps. Les recherches en histoire de l'art ont toutefois fait prendre conscience du rôle important de son atelier, dont sortirent tant Jean-Léon Gérôme que Claude Monet ou Fréderic Bazille.En outre, les relectures de son oeuvre, au premier rang desquelles figure l'analyse psychanalytique de Michel Thevoz publiée en 1980, ont fait réapparaitre les contradictions passionnantes de l'artiste comme de son oeuvre. Placée sous le signe du spleen et de l'idéal, l'exposition offre l'occasion, à travers les prêts majeurs du Musée cantonal des beaux-arts de Lausanne, de se replonger avec bonheur dans les illusions de l'académisme. Coédition musée d'Orsay/Editions Hazan. Lire la suite Fermer

Au début des années 1860, des jeunes peintres se réunissent afin de créer un nouveau type de peinture. Ils souhaitent représenter des scènes de la vie quotidienne ainsi que des paysages et refuse toutes institutions, souhaitant se détacher des règles érigées par l'Académie. Ils fréquentent des atelier privés car on y peint avec liberté, contrairement à l' École des beaux-arts. Le terme d'« impressionnisme » vient d'un article du critique d'art Louis Leroy, paru dans le journal quotidien Le Charivari du 25 avril 1874, et intitulé : « L'exposition des impressionnistes ». Lors de sa visite de l'atelier dans l'atelier du photographe Nadar, il se moque d'un tableau de Claude Monet nommé Impression, Soleil Levant. Ce surnom encombrant d'« impressionnistes », Monet et ses amis vont non seulement l'accepter, mais le reprendre, dès 1877, à l'occasion de nouvelles manifestations qu'ils organisent. Les peintres les plus cèlèbres de ce mouvement sont Manet, Pissarro, Degas, Monet, Renoir, Bazille, Sisley, Caillebotte, Cézanne...

Dans cet ouvrage, vous découvrirez la nouvelle peinture impressionniste? ainsi que ses célèbres peintres tels que Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Georges-Pierre Seurat. Vous trouverez également quels sont les sujets traités par ces artistes comme la ville et les scènes de vie rurale. Ce livre traite également de la postérité du mouvement impressioniste chez les artistes tels que Paul Cézanne, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh mais aussi de son exportation internationale.
Lire la suite Fermer

En présentant un ensemble d'oeuvres d'importance de Gustave Courbet (principalement issues des collections de l'Institut Gustave et du Musée Courbet d'Ornans) et d'autres artistes du XIXe - collaborateurs ou amis de Courbet - ayant abordé pleinement la nature et le paysage au coeur de leurs démarches, ce livre traite la thématique du paysage de manière transversale. Entre autre, sera révélée l'implication du sanclaudien George Besson (1882-1971), qui oeuvra pour l'acquisition de la maison natale de Courbet hébergeant plus tard le musée, puis celle de Guy Bardone (19272015) donateur de la collection constitutive du musée de l'abbaye qui sera ensuite secrétaire général de l'Institut Courbet pendant près de quinze ans. A noter, le « Pays Courbet, pays d'artiste » sera l'invité prestigieux de cet automne dans le Haut-Jura.
Lire la suite Fermer

Intimement Parisien mais amoureux de l'Angleterre, proche des impressionnistes autant que des préraphaélites, conservateur autant que libéral, James Tissot est un artiste ambigu et fascinant. Une étoffe particulièrement travaillée, une ombrelle, un regard... Son oeuvre livre un témoignage unique sur le XIXe siècle mondain. Un univers à la fois familier et étrange s'y dévoile, voluptueux, élégant et mystérieux. James Tissot a exploré tous les styles, de la peinture à l'émail, pour traduire la vérité d'un monde pourtant fardé, son atmosphère si particulière, sa distinction inégalée, sa profondeur dissimulée.

Qui était ce peintre extrêmement apprécié par ses contemporains et si étonnamment tombé dans l'oubli ? En quoi l'aristocratie qu'il dépeint en est-elle une image aussi fidèle qu'originale ? Et si, en représentant de façon inédite les femmes, il offrait une interrogation aussi esthétique que bouleversante, sur la beauté, la mode et le temps ?

Ce bel ouvrage magnifiquement illustré propose un panorama complet et unique d'une oeuvre exigeante et des influences qui aident à la comprendre. Il éclaire le parcours hors du commun de cet artiste majeur qui, du portrait de la Parisienne à l'univers biblique, a fait de ses figures des êtres de chair, palpables et sensibles, et offert à la peinture un regard unique sur la femme et la société. Lire la suite Fermer

La route de la Kisokaid? à travers le Japon fut tracée sur l'ordre de Tokugawa Ieyasu, qui dirigea le pays au début du XVIIe siècle et décréta que des relais soient installés tout le long de cette piste accidentée qui reliait Edo (l'actuelle Tokyo) et Kyoto. Auberges, échoppes et restaurants y furent construits pour prodiguer nourriture et logis aux voyageurs fatigués. En 1835, le célèbre estampiste Keisai Eisen reçoit la commande d'une série d'oeuvres qui décriront les étapes successives de l'itinéraire de la Kisokaid?. Après avoir réalisé 24 estampes, Eisen est remplacé par Utagawa Hiroshige, qui complète la série avec 70 estampes en 1838.Eisen et Hiroshige étaient tous deux des maîtres de l'estampe. Les Soixante-neuf Stations de la Kisokaid? révèlent à la fois les styles distincts et le savoir-faire commun des deux artistes. Du point de départ animé de Nihonbashi à la ville d'Iwamurata et son château, Eisen opte pour une palette aux tonalités atténuées, mais excelle dans la représentation figurative, en particulier des femmes élégantes, et se délecte des instantanés de vie qu'il saisit le long de la route - du ferrage d'un cheval au vannage du riz. Hiroshige démontre sa maîtrise du paysage avec des scènes grandioses et évocatrices, des rives paisibles du fleuve Ota à l'impressionnant col de Wada et à l'ascension de Yawata à Mochizuki au clair de lune.
L'ensemble de la série des Soixante-neuf Stations représente non seulement un chef-d'oeuvre de l'estampe, avec des compositions audacieuses et un recours expérimental à la couleur, mais aussi une fresque envoûtante du Japon au XIXe siècle, bien avant le spectre de l'industrialisation. Cette nouvelle édition XXL de TASCHEN redonne vie à ce recueil dans un format adapté à sa splendeur. Composé à partir d'un des exemplaires les mieux conservés de leur première édition, l'ouvrage, relié selon la tradition japonaise et imprimé sur un papier non coupé, restitue cette oeuvre légendaire dans une qualité de reproduction optimale. Parfait complément aux Cent vues célèbres d'Edo, également publié par TASCHEN, il est un régal pour les yeux et un objet de première importance témoignant du lointain passé du Japon impérial. Lire la suite Fermer

« Les seuls à avoir « dit » comme il convient ce qu'est la peinture, leur peinture, les seuls à pouvoir raconter l'impressionnisme, ses défis, ses combats, sont les peintres eux-mêmes. Parce que leur histoire est comparable à aucune autre. Ni les débats, ni les disputes, ni les désaccords, ni les conflits, ni les malentendus, ni les rivalités n'ont remis en cause l'essentiel de leurs relations. Ils se respectent. Ils s'admirent.  Des relations plus fraternelles que confraternelles. Ce que prouvent les portraits des uns par les autres pendant ces années 1860, 1870 et 1880 encore, au cours desquelles, pour plusieurs d'entre eux, il est hors de question de pouvoir payer des modèles. Ce que prouvent leurs correspondances et les propos des uns et des autres qui ont été rapportés (parfois par ces gens de lettres et autres littérateurs qui les ont tant exaspérés). Les impressionnistes ont été les plus précis commentateurs de leur histoire. Comme ils en ont été les plus subtils, les plus lucides et les plus implacables. » À travers les 20 artistes fondateurs du mouvement et plus de 100 portraits, autoportraits et oeuvres de l'époque, cet ouvrage donne à entendre les voix des peintres, à comprendre la manière dont ils se sont connus, reconnus, accompagnés et représentés, et offre en somme de découvrir le mouvement comme jamais, de l'intérieur...
Lire la suite Fermer

Exposition organisée par le Musée provincial Félicien Rops, Namur (Belgique), du 24 mai au 22 septembre 2019.

Fils de l'artiste réaliste belge Charles Degroux (1825-1870), Henry de Groux (1866-1930) suit une formation à l'Académie de Bruxelles. Accepté au groupe des XX, il est obligé d'en démissionner pour avoir refusé d'exposer dans la même salle que van Gogh et avoir injurié celui-ci ainsi que Paul Signac et Toulouse- Lautrec.
Protégé de Félicien Rops qui le prit sous son aile pour tenter de lancer sa carrière, il s'installe à Paris où il réalise la majeure partie de son oeuvre et côtoie d'autres artistes tels que Toulouse-Lautrec, Whistler, Gauguin, Ensor, Rodin et Debussy. Il fréquente également de nombreux écrivains, parmi lesquels son futur gendre Émile Baumann, Mallarmé, Apollinaire, Oscar Wilde, Léon Bloy - avec qui il entretient une amitié fusionnelle - Verlaine, Zola, Heredia, Gide, Milosz, Rémy de Gourmont et Huysmans.
Il prend parti dans l'afaire Dreyfus et assure la protection de Zola contre la foule hostile à la sortie du tribunal.
Peintre, lithographe, dessinateur et sculpteur, Henry de Groux multiplie les opportunités pour exprimer ses émotions qui semblent incontrôlables. Il reprend de grands textes de la littérature, tels ceux de Dante, ou de grands héros de l'histoire pour exalter la démesure de ses sentiments.
À 22 ans, il réalise son chef-d'oeuvre un tableau de grand format, Le Christ aux outrages, conservé au Palais du Roure à Avignonet qui n'a plus été présenté dans une exposition temporaire en Belgique depuis l'Exposition centennale de l'art belge en 1930.
L'artiste décèdera à Marseille le 12 janvier 1930, au terme d'une vie exaltée et instable.
Lire la suite Fermer

Au XIXe siècle, alors que les peintres parcourent l'Europe en quête de motifs, la vallée de la Creuse devient un véritable foyer artistique, un lieu d'intense création où se forgent plusieurs colonies d'artistes. Quatre peintres, tous issus de communautés artistiques diverses, ont élu cette vallée-atelier parmi d'autres sites, comme lieu de leurs motifs de prédilection ou de révélation picturale : Allan Österlind (1855-1938), Charles Bichet (1863-1929), Eugène Alluaud (1866-1947) et Alfred Smith (1854-1936). Ces quatre figures constituent autant d'artistes migrateurs venus expérimenter les vallées de la Creuse, de la Sédelle, de la Gartempe ou de la Vienne. Cet ouvrage/catalogue accompagne l'exposition La Creuse, une valléeatelier. Itinérances artistiques. A. Österlind (1855-1938), C. Bichet (1863-1929), E. Alluaud (1866-1947) et A. Smith (1854-1936), organisée par les musées de Guéret, La Châtre, éguzon et Limoges.
Lire la suite Fermer