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Philharmonie De Paris
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Qu'est-ce que la musique ? Elle était autrefois un événement social inscrit dans le continuum de nos vies : on allait l'écouter ou on la pratiquait collectivement. Avec l'enregistrement, elle est aussi devenue un produit - un objet qui peut être vendu, acheté, privatisé et rejoué indéfiniment dans n'importe quel contexte. Les communautés humaines ne cessent, partout dans le monde, d'adapter leurs manières de créer, conserver, distribuer et recevoir la musique. Retracer ces métamorphoses, c'est comprendre ce qu'est la musique pour nous aujourd'hui et, peut-être, pourquoi nous l'aimons autant.
Dans ce livre-somme, l'auteur dévoile la fabrique de la musique, tout ce qui la fait vivre et nous fait vibrer : le processus de création, l'architecture des lieux d'écoute, ses effets sur nos émotions, l'influence des technologies et jusqu'aux logiques économiques qui régissent l'industrie musicale. En filigrane de cette exploration se dessinent la figure et le parcours du compositeur et musicien David Byrne, depuis les premiers concerts de Talking Heads au milieu des années 1970. Témoin et acteur d'une scène expérimentale naissante, l'artiste revisite son apprentissage en amateur, ses pratiques collaboratives et la découverte d'autres univers musicaux à Bali, au Japon, en Afrique de l'Ouest ou au Brésil.
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Musiquer : le sens de l'expérience musicale
Christopher Small
- Philharmonie De Paris
- La Rue Musicale
- 29 Mai 2019
- 9791094642313
« La musique n'est pas du tout une chose, mais une activité », nous dit Christopher Small. S'il préfère utiliser le verbe « musiquer » plutôt que jouer ou écouter de la musique, c'est qu'il veut libérer l'analyse de l'expérience musicale de la tyrannie de l'oeuvre. Celle-ci est au service de la performance, non l'inverse. De la composition à l'écoute, à la danse ou au fredonnement solitaire, en passant par l'histoire, les institutions et les espaces de la vie musicale, Small part à la chasse de tout ce qui dote la musique de significations sans cesse renouvelées.
Dans cet essai influent et polémique, dont les réflexions sont ancrées dans un parcours dédié tout entier à la pratique de la musique comme à sa transmission, l'auteur nous invite à explorer la multiplicité des relations vivantes que nous imaginons, réalisons et célébrons lorsque nous musiquons.
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Conversation imagée 2019-2021
Georges Aperghis, Nicolas Donin
- Philharmonie De Paris
- Ecrits De Compositeurs
- 25 Mai 2022
- 9791094642603
Un collage de jeunesse, une peinture de Rauschenberg, la scénographie de Luna Park ou un souvenir de Tex Avery sont autant de sésames pour entrer dans l'atelier du compositeur Georges Aperghis (né en 1945), connu pour ses affinités multiples avec la littérature, les arts et les techniques.
Parcourant une soixantaine d'images, évoquant une vie de rencontres et d'engagements, le compositeur, en conversation avec le musicologue Nicolas Donin, donne à voir les multiples facettes de son travail créateur : la composition solitaire, l'expérience collective du théâtre musical, les collaborations amicales, le dialogue avec des penseurs et artistes de toutes les époques. De cette mécanique singulière surgissent des apparitions imprévues : quelque chose n'est pas à sa place, puis se met à vivre d'une autre façon. Aperghis cultive l'art de l'oubli et de la redécouverte, et ce livre-imagier nous invite à en faire l'expérience avec lui. -
Le musée imaginaire des oeuvres musicales
Linda Goehr
- Philharmonie De Paris
- 8 Février 2018
- 9791094642245
Qui, de nos jours, contesterait que les symphonies de Beethoven, les concertos de Schumann et les sonates de Schubert sont des oeuvres musicales ? L'on découvre pourtant dans cet ouvrage que penser la musique en termes d'oeuvres ne va pas de soi et que l'oeuvre musicale est un concept qui doit se lire en termes historiques. Cette enquête sur les origines de notre « musée imaginaire des oeuvres musicales » retrace ainsi les développements esthétiques, musicaux, politiques et sociaux qui, à la fin du XVIIIe siècle, ont contribué à sa formation, puis à son institution. Pour répondre à l'inquiétude moderne sur la nature et les implications de la production d'oeuvres dans le champ musical, Lydia Goehr revendique un concept d'oeuvre ouvert, historique, immanent aux pratiques elles-mêmes. Il s'étend alors aux formes contemporaines de la musique désormais intégrées dans notre « musée », comme celles de John Cage, en rébellion contre l'oeuvre, et jusqu'aux genres tenus pour populaires, tel le jazz.
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Écouter en découvreur
Karlheinz Stockhausen
- Philharmonie De Paris
- La Rue Musicale
- 28 Janvier 2016
- 9791094642061
Le compositeur Karlheinz Stockhausen (1928-2007) a fait preuve d'une créativité sans égale au XXe siècle et d'une incroyable productivité : 375 oeuvres au total, dont le cycle Licht et ses 29 heures de musique est l'aboutissement monumental. Stockhausen a tracé des sillons dans lesquels les générations ultérieures se sont inscrites, par-delà les frontières esthétiques, de la musique contemporaine aux musiques populaires et électroniques, comme en témoignait dès 1967 sa présence sur la couverture de l'album Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles.
Ce que l'on sait moins, c'est que cet artiste caméléon, inventeur de langages musicaux inouïs, dramaturge et metteur en scène d'une oeuvre proprement sidérale fut également un " auteur " d'une éloquence comparable à celle des grands compositeurs du XIXe siècle, Berlioz et Wagner en tête. Ses écrits, dont les textes phares sont ici regroupés et traduits pour la première fois en français, sélectionnés à partir d'un corpus de plusieurs milliers de pages, permettent de mettre en perspective une trajectoire artistique hors-norme.
Essais théoriques, textes manifestes, entretiens, analyses et correspondance inédite composent cet ouvrage fondamental pour l'histoire de la musique et des arts du XXe siècle.
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Un chant muet ; musique, signification, déconstruction
Raymond Monelle
- Philharmonie De Paris
- 18 Février 2016
- 9791094642078
Le personnage fictionnel du Dr Strabismus entreprend la rédaction d'un nouveau traité général sur la musique. Mais la tendance de la musique à se " déconstruire " d'elle-même, alliée aux mouvements retors de la postmodernité, voue cette entreprise à l'échec. Telle est la parabole qui encadre Un chant muet, une nouvelle approche de la théorie musicale et une interprétation inédite de l'histoire moderne de la musique occidentale.
Ouvrage majeur du musicologue britannique Raymond Monelle, Un chant muet propose une approche inédite, mêlant les théories de la déconstruction (Jacques Derrida) et de la signification (C. S. Peirce, Roland Barthes et Umberto Eco) à l'analyse musicale du répertoire occidental, de Jean Sébastien Bach à Charles Ives. Représentatif de la New Musicology anglo-américaine - dans le droit fil des cultural studies -, l'auteur aborde le fait musical sous un angle résolument " culturel " et dévoile ainsi les tensions sociales et existentielles qui imprègnent la musique classique et romantique.
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Paroles sans musique
Philip Glass
- Philharmonie De Paris
- La Rue Musicale
- 23 Février 2017
- 9791094642092
Philip Glass est doté d'une oreille extraordinairement réceptive aux nuances des mondes qu'il a traversés, comme aux évolutions musicales de son temps. Dans ce récit de vie à la première personne, les lieux marquent les souvenirs et font émerger des sonorités : le magasin de disques de son père à Baltimore, les clubs de be-bop à Chicago, la scène expérimentale à New York, les exercices d'" écoute " de Nadia Boulanger à Paris, l'intensité rythmique des concerts de Ravi Shankar... Sa formation musicale, la fréquentation d'artistes majeurs, mais aussi ses voyages, qui sont autant d'incursions dans les musiques indienne, himalayenne, africaine, sud-américaine, lui permettent d'inventer les outils nécessaires à la composition et font de lui un praticien hors du commun.
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Icône d'une culture sonore globalisée, la musique de Steve Reich (né en 1936) est dans toutes les oreilles. Plus que des oeuvres musicales, le musicien compose des expériences sonores : par répétition, superposition et déphasage, un simple motif immerge l'auditeur dans un processus d'écoute. L'étiquette minimaliste qui qualifie généralement sa musique ne lui convient pas vraiment ; le compositeur préfère parler de musique à pulsations . Car chez Reich, répéter ne revient pas à simplifier. Son oeuvre interroge la perception du temps et du rythme sous toutes ses formes (musical et vocal ; corporel, urbain, plastique et mécanique), et l'économie de moyen dissimule toujours une prouesse musicale : composer 1 h 30 de musique a ' partir d'un unique motif de huit notes (Drumming) ou créer une pièce avec quatre mains pour seuls instruments (Clapping music). L'oeuvre de Reich nait au sein des avant-gardes de l'Amérique des années 1960. Mais son projet est plus large et cultive le dialogue avec des formes de musique ancienne et populaire (jazz, rock, cantillation hébraïque, percussions africaines, musique médiévale, etc.). Sa musique a très tôt conquis un large public ¿ sans pour autant épuiser son incessante quête créative. C'est peu de dire que Steve Reich a porté plusieurs casquettes : chauffeur de taxi à New York à sa sortie de l'université, fondateur d'une société de déménagement avec Philip Glass, il décide de gagner la côte Ouest pour prolonger ses expérimentations musicales, puis hésite a ' suivre ses amis au sein du groupe de rock Grateful Dead... Un parcours entrecoupe ' de découvertes et de voyages, notamment au Ghana où il étudie l'essence de la rythmique africaine. Ce volume regroupe les écrits de Steve Reich depuis 1965, ainsi que les principaux entretiens qu'il a menés jusqu'à aujourd'hui.
