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Minerve
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Vocabulaire de l'harmonie
Claude Abromont, Eugène de Montalembert
- Minerve
- Musique Ouverte
- 22 Octobre 2021
- 9782869311657
Atonal, chiffrage, cluster, consonance, degré, langage, modulation, rosalie, soprano, tierce picarde et triton sont quelques-unes des 90 entrées d'un Vocabulaire de l'harmonie qui couvre, bien sûr, le répertoire dit « harmonique » (de Corelli à Debussy), mais qui n'oublie pas de voguer de l'Antiquité à la musique la plus récente.
Peu de vocables sont autant chargés de sens et d'histoire que celui d'harmonie, qui parle d'agencements, de correspondances, de concordances, de proportions et d'ajustements. Il n'est donc pas surprenant qu'il renvoie en musique à des domaines aussi différents que les langages, les styles, les conceptions du temps, les formes, l'expression, la rhétorique, la théorie et la pédagogie.
Son utilisation musicale remonte à la Grèce antique, mais aucun ne s'est plus facilement adapté aux périodes historiques successives. Qu'il s'agisse de relations entre notes dans l'Antiquité, d'harmonie d'intervalles et de conception polyphonique aux époques romane, gothique et renaissante, de basse continue et d'harmonie d'accords à l'époque baroque, d'harmonie tonale classique et romantique, d'harmonie modale et atonale, de timbre, de couleurs ou de textures aux époques moderne et contemporaine, il est toujours question de composer, ce mot qui exprime si bien la nécessaire confrontation de l'inventeur de musique avec la réalité des sons : composer, c'est harmoniser, harmoniser, c'est composer.
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Entretiens avec Pierre Boulez ; composition, direction d'orchestre et interprétation
Gérard Akoka
- Minerve
- 20 Septembre 2019
- 9782869311565
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L' Art sonore : Le son dans les arts plastiques contemporains
Jean-Yves Bosseur
- Minerve
- Musique Ouverte
- 20 Novembre 2020
- 9782869311602
Dans le sillage des démarches de John Cage et des membres du mouvement Fluxus, l'« art sonore » connaît aujourd'hui une expansion qui ne cesse de croître. Cette dénomination s'applique à des pratiques touchant à la fois aux arts plastiques et à la musique. Elle suppose une attention toute particulière à ce qui se rapporte globalement à la perception auditive, que ce soit de la part des compositeurs ou des artistes issus du domaine visuel.
La plupar t associent étroitement les composantes plastiques et sonores dans des oeuvres qui peuvent s'apparenter aux domaines de la sculpture, de l'installation ou des des multimédias.
Sont évoquées ici, avec l'apport de témoignages d'artistes parmi les plus représentatifs (Nam June Paik, Takis, Wolf Vostell, Sarkis, Jaume Plensa...), des réalisations qui supposent des interactions effectives entre les domaines visuels et acoustiques. Ce qui est mis dès lors en relief, ce sont aussi bien les objets producteurs de son que les appareils destinés à sa transmission, ou encore les phénomènes et propriétés physiques liés à la propagation du son et à la question du silence, l'espace investi jouant à cet égard un rôle décisif.
Questionner le sonore constitue un véritable catalyseur pour les plasticiens, les orientant dans le sens de démarches de nature tantôt scientifique, tantôt poétique, ou tout simplement hédoniste, voire ludique. Cela représente aussi une manière de tirer parti de façon créative des apports des nouvelles technologies sans faire nécessairement de celles-ci une fin en soi.
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Les rapports entre musique et environnement recouvrent des champs d'application disparates, qui pourront même être jugés, dans certains cas, inconciliables. Qu'y a-t-il de commun en effet entre une quelconque musique d'ascenseur et un Polytope de Xenakis, si ce n'est que, pour l'un comme pour l'autre, il s'agit d'investir acoustiquement un espace donné ?
Il ne sera pas question ici de réduire le débat à des prises de position manichéennes, ni d'instaurer des hiérarchies entre les divers mondes musicaux qui se côtoient, de gré ou de force, aujourd'hui. L'opposition entre une musique qui serait « pure » de toute attache politico-culturelle et une autre qui ne serait que fonctionnelle se révèle trop simpliste. À quelque niveau que ce soit, l'art musical exerce des fonctions relativement précises et déterminées par rapport à la société, dont il n'est jamais totalement coupé et dont il dépend même largement. Les contraintes peuvent s'avérer plus ou moins astreignantes, mais il reste au compositeur à trouver les moyens de déjouer les pièges qui risquent de se dresser entre son projet esthétique et artistique personnel et le rôle que les instances officielles veulent à tout prix lui faire jouer. Depuis des siècles il en est ainsi, même si les avancées technologiques ont manifestement changé la donne à partir des premières décennies du XXe siècle, en transformant la musique, art de l'éphémère par excellence, en une marchandise, un produit de consommation tout ce qu'il y a de plus tangible.
Si le « bruit » occupe ici une place importante, c'est bien parce que, de nos jours, le domaine musical inclut nécessairement une réflexion sur un tel phénomène et que le compositeur, même s'il n'est pas tenté de l'inscrire explicitement au sein de son oeuvre, est de plus en plus amené à prendre activement en compte tout à la fois ses apports les plus prometteurs et ses plus néfastes conséquences. Réfléchir sur les rapports entre musique, bruit en environnement implique presque naturellement de viser une approche pluridisciplinaire des arts, des médias et des technologies concernés. En effet, penser l'environnement suppose de dépasser les clivages entre le visuel et le sonore et d'imaginer selon quelles modalités peuvent s'opérer des conjonctions entre les deux, sans qu'un domaine prenne le pouvoir sur l'autre.
C'est pourquoi, tout au long des chapitres, on observera qu'un certain nombre d'artistes pratiquent conjointement plusieurs moyens d'expression, ou encore, pour la plupart, sollicitent des collaborations (avec des architectes, urbanistes, spécialistes des nouvelles technologies...) afin d'être capables de maîtriser des aspects qui ne relèvent pas nécessairement de leur compétence. Il sera tout d'abord question des musiques liées à des événements ou fonctions spécifiques (fêtes, banquets, musiques d'extérieur...).
Un chapitre sera consacré aux relations entre un environnement donné et une oeuvre, par exemple chez John Cage, dans le mouvement Fluxus, ainsi qu'aux apports des moyens électro-acoustiques et d'un médium comme la radio. Le chapitre suivant traitera des dialogues entre musique et architecture, notamment chez Xenakis, Stockhausen, Nono... Pour envisager les interactions entre plusieurs disciplines artistiques seront notamment examinées les pratiques récentes de la sculpture sonore et de l'installation. Sera ensuite abordée la problématique des musiques dites d'environnement, depuis les musiques d'ameublement chères à Erik Satie jusqu'aux « muzaks » qui tendent à envahir l'espace public. Cela nous amènera à répertorier différents types de musique fonctionnelle, à travers le développement de la signalétique sonore et du design musical.
La dernière partie du livre concerne les diverses approches du paysage sonore, démarche impulsée au Canada par Raymond Murray Schafer, et qui connaît un essor de plus en plus manifeste aujourd'hui, croisant une réflexion sur l'écologie et les implications psycho-sociales de l'environnement acoustique. C'est ainsi que, par exemple, les propositions de « promenades sonores » et d'interventions musicales in situ se multiplient dans de nombreux pays depuis une vingtaine d'années, cherchant à favoriser de nouvelles modalités d'écoute au quotidien.
Annexes Cet ouvrage s'accompagne d'une bibliographie et d'un important index qui reflète la grande quantité d'artistes évoqués, ainsi que leurs oeuvres, jusqu'à une date récente.
En outre, sera inséré un cahier d'illustrations hors-texte de 8 pages reproduisant des oeuvres phares sur le thème.
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Esquisse d'une nouvelle esthétique musicale et autres écrits
Ferruccio Busoni
- Minerve
- Musique Ouverte
- 16 Février 2018
- 9782869311497
Contemporain de Claude Debussy, de Gustav Mahler et de Richard Strauss, Ferruccio Busoni (1866-1924) apparaît aujourd'hui encore comme l'une des plus fortes personnalités musicales du XXe siècle. Compositeur, pianiste virtuose (interprète célèbre de Bach et de Lizst), homme de théâtre, il fut aussi un pédagogue extrêmement audacieux.
Homme d'ouverture par excellence, il avait sur l'avenir de la musique une ampleur de vue exceptionnelle. C'est ainsi qu'il écrit dans son Esquisse d'une nouvelle esthétique musicale : « La musique est née libre et son destin est de conquérir la liberté. » Edgard Varèse, apôtre lui aussi d'une certaine liberté dans la composition, fut profondément marqué par les théories de Busoni, dont il a souligné l'importance historique : « Il fut le premier à concevoir une nouvelle technique de l'art. Il a prévu tout ce qui devait arriver. » Les Éditions Minerve avaient déjà publié l'Esquisse en 1990. Cette édition en donne une nouvelle traduction. Ont été jointes les annotations faites sur le texte par Arnold Schoenberg. De plus, ce même volume inclut la quasi-totalité des articles écrits par Busoni, et jusqu'ici inédits, sur ses conceptions d'interprète, de compositeur, de pédagogue et sur sa vision de la musique. Un événement dans la littérature musicale.
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Nouv.
La Question sans réponse réed. : Six conférences données à Harvard
Leonard Bernstein
- Minerve
- 14 Février 2025
- 9782869311824
Compositeur prolifique dont le nom reste attaché à ce Roméo et Juliette moderne qu'est West Side Story, où il mêle jazz, musique populaire, choral religieux, opéra italien et pop music, Leonard Bernstein sera jusqu'à sa mort (1990) l'un des personnages les plus en vue de la musique américaine.
Sa vaste culture, son ouverture d'esprit et son amour viscéral de la musique ont fait de lui l'un des plus grands chefs d'orchestre du XXe siècle. Mais c'était aussi un grand pédagogue, comme en témoignent les « Conférences Norton » qu'il donna à l'invitation de l'université de Harvard à l'automne 1973.
Sous le titre générique inspiré par l'oeuvre homonyme de Charles Ives The Unanswered Question (« La Question sans réponse »), il propose, au cours de ces conférences, six exposés qui envisagent l'état de la musique au XXe siècle. Son but n'est pas de dresser un bilan, mais de montrer l'évolution de la création musicale depuis les temps anciens.
S'inspirant de la linguistique moderne représentée par Noam Chomsky, il commence par montrer de façon éclairante que, sans être un langage articulé, la musique est néanmoins un moyen d'expression comportant ses structures, sa grammaire et son vocabulaire.
Cela lui permet d'évoquer les chefs-d'oeuvre de la musique de Bach à Boulez, en passant par Beethoven, Wagner, Mahler, Schoenberg, Stravinsky, le jazz ou les Beatles. Il émaille ses propos de nombreux exemples musicaux (plus de 600), reproduits ici. D'une manière très accessible, c'est ainsi une véritable histoire de la musique qu'il esquisse avec originalité et brio. Pour en arriver à la question qui lui tient à coeur et qui illustre la crise à laquelle cette discipline artistique semble à présent confrontée : où va la musique ?
À noter qu'il s'agit du seul ouvrage de Bernstein disponible en français.
À signaler la sortie en 2023 du film Maestro sur le couple formé par Bernstein (Bradley Cooper) et sa femme Felicia (Carey Mulligan), film ayant reçu un bon accueil de la critique.
