« Je suis né avec un coeur excentrique. » Irrévérencieux, introspectif et éclairant, Surrender est le récit organisé - mais pas trop - de la vie de Bono autour de 40 chansons de U2.
Artiste combatif donnant le meilleur de lui-même lorsqu'il sait capituler, Bono grandit dans le nord de Dublin - alors que les violences sectaires se multiplient en Irlande -, entre un père catholique et une mère protestante. La perte de cette dernière, alors qu'il n'a que quatorze ans, va nourrir son besoin de famille. Ayant eu très jeune le sentiment d'être quelconque, il consacrera toute son existence à prouver que personne ne l'est. Sa créativité éruptive ne le quitte jamais... et, s'il peine à maîtriser sa colère, il reconnaît avoir un ego « bien plus grand que [s]on amour-propre ». Bono, d'abord activiste à mi-temps, s'engage ensuite pleinement dans la lutte pour l'annulation de la dette des pays les plus pauvres, et persuade les gouvernements - en particulier les États-Unis - de répondre à l'urgence mondiale qu'est le sida, ce qui conduira à la naissance du PEPFAR, à l'époque la plus grande initiative sanitaire de l'histoire de la médecine pour tenter de vaincre une seule et même maladie. Il décrit les militants de l'ONG ONE, dont il est le cofondateur, comme des « factivistes » - des activistes s'appuyant sur des faits -, et son organisation soeur, RED, comme une « drogue d'entrée » dans le militantisme. En quatre décennies, la bande d'adolescents ambitieux deviendra le plus grand groupe au monde. Les fans apprendront pourquoi U2 ne s'est jamais séparé malgré leurs nombreux désaccords enflammés, et décrypteront le sens des morceaux les plus populaires et influents.
Les portes de la vie intérieure de Bono sont ouvertes, avec pour thèmes récurrents le gâchis du potentiel humain et la foi de l'artiste, présente jusque dans son mariage, sa musique et sa guerre contre l'extrême pauvreté. Surrender est aussi une déclaration d'amour adressée à sa femme, Ali, qu'il convie à leur first date la semaine de la première répétition du groupe. C'est elle qui donne le la dans cette pièce, dont le troisième acte questionne davantage qu'il ne répond quant aux causes à défendre. Paul David Hewson, alias Bono, remplit les stades avec U2 depuis quarante ans. Le groupe a vendu 170 millions d'albums et gagné vingt-deux Grammys ainsi qu'une foule de distinctions, notamment la Légion d'honneur. Lire la suite Fermer

« C'est un métier très étrange, la musique de films : on est au service d'un projet commun, mais il y a toutes ces contraintes, de temps, d'échanges, de communications avec le metteur en scène... Il faut chercher, jusqu'à ce que la musique devienne vraiment l'image. Elle n'est plus seulement la musique, elle est dans le film. » Une plongée passionnante au coeur de la composition des musiques de films, de Nino Rota (Le Parrain, etc.) à John Williams (Star Wars, etc.). Et bien sûr, le travail du célèbre Alexandre Desplat vu et expliqué par lui-même, qui nous permet de mieux comprendre la richesse, la subtilité et l'importance de la musique dans le cinéma d'hier et d'aujourd'hui.

Dans cet ouvrage, son premier depuis qu'il s'est vu décerner le prix Nobel de littérature, Bob Dylan nous donne un aperçu personnel et hors du commun de la musique populaire. À travers soixante-six textes, illustrés de cent cinquante photos, il se penche sur les titres d'autres artistes, de Stephen Foster à Elvis Costello, en passant par Hank Williams et Nina Simone. Mystérieux, touchants, profonds, souvent empreints d'un humour ravageur, ces essais sont la quintessence de sa plume inimitable.

Depuis plus de 40 ans, ses chansons accompagnent nos vies. Véritable star planétaire, Céline Dion chante aussi bien en anglais qu'en français et ses hits sont devenus des standards de la chanson. Accompagnée par un producteur de génie devenu son mari, René Angélil, par les meilleurs auteurs et compositeurs de son temps comme Eddy Marnay, Luc Plamondon, Jean-Jacques Goldman, Jacques Veneruso, Bryan Adams, Diane Warren, Aldo Nova, James Horner..., Céline Dion a atteint les sommets de la gloire en vendant plus de 230 millions de disques depuis le début des années 80, dans le monde entier.Avec une voix exceptionnelle qui lui a valu à ses débuts le surnom de la voix du bon dieu, Céline Dion chante l'amour, la vie, les rêves, les espoirs...Du temps des cassettes au temps des plateformes de streaming, Céline Dion enchaine les succès et s'impose comme l'une des plus importantes vendeuses de disques de sa génération.Cet ouvrage réunit pour la première fois les histoires des grands succès de Céline Dion. De Ce n'était qu'un rêve à My Heart will go on, de Encore un soir à I'm Alive, en passant par Parler à mon père, Sous le vent, L'Amour existe encore, Pour que tu m'aimes encore, The Power of love, S'il suffisait d'aimer... Autant de chansons devenues cultes que vous écouterez d'une autre oreille après avoir lu l'histoire de leurs créations. Lire la suite Fermer

Les raps américain et français sont le produit de la révolution politique des années 1970. Sur fond de désoccidentalisation et de déhiérarchisation culturelle, une réinterprétation du couple égalité-liberté met alors en crise toutes les formes de transcendance. Le hip-hop en a d'emblée cristallisé les symptômes sociopolitiques les plus révélateurs : la crise de l'identité soumise à l'injonction sociale de l'autoréalisation, la réévaluation de la concurrence dans notre conception de la justice sociale, les nouvelles revendications en matière de représentation et de reconnaissance. Mais le hip-hop était encore une manière de transition entre les deux époques : son opposition à la société établie visait une perspective commune. La rupture intervient à la fin du siècle avec le gangsta rap qui déplace l'entreprise de transformation sociale sur le terrain culturel désormais dominé par les surenchères transgressives et le second degré. Muni d'un code esthétique ambivalent qui piège l'esprit critique, il engage avec la société une bataille de normes qui n'a cessé de défrayer la chronique. L'aspiration démocratique n'en a pas pour autant déserté le rap du XXI? siècle. Par un nouveau déplacement, c'est au premier chef dans ses aspects formels qu'elle se déploie à présent : dans son irréductible éclectisme et la polysémie des mots, dans le recyclage des métaphores et les caprices rythmiques amarrés à l'imprévisibilité de l'expérience. Elle prend ainsi la forme d'une démocratie esthétique qui célèbre la virtuosité stylistique et l'innovation, mais qui, totalement désintellectualisée et délestée du poids historique, ressemble à un grand jeu d'énigmes sans réponse. Lire la suite Fermer

«Conversations» est une série de vingt entretiens donnés par le légendaire compositeur Steve Reich.
Figure de proue du mouvement minimaliste aux côtés de Philip Glass ou Terry Riley, sa musique a influencé nombre de jeunes musiciens, chorégraphes ou artistes.
Il s'entretient ici avec des collaborateurs, des compositeurs, des musiciens influencés par son travail. On retrouve des grands noms tels que Brian Eno, Johnny Greenwood (Radiohead) ou la chorégraphe Anne Teresa de Keersmaeker. Avec eux, il revient sur sa carrière, ses inspirations, son approche de la composition...
Ces discussions libres et sans filtre permettent d'entrer en profondeur dans la vie, la pensée et l'oeuvre de Reich. Et de découvrir ainsi les cheminements par lesquels s'est échafaudée la musique de ce compositeur majeur.

Claire-Marie Le Guay a conçu ce livre comme un concert écrit.En s'appuyant sur la vie et la personnalité de cinq compositeurs et l'exploration de leurs oeuvres, elle nous convie à une lecture musicale.Le foisonnement joyeux de Mozart, lumineux au-delà du drame, nous prend par la main, l'équilibre de la construction de Bach organise nos pensées, le flot des sentiments amoureux de Liszt éveille nos sens et nous guide de la douleur à la consolation, la force créatrice de Mahler, puisant sa source dans la nature, nous aide à trouver notre place, et la puissance expressive de Rachmaninov nous fait vibrer et nous donne l'énergie du dépassement.Étayé de nombreux liens d'écoute, ce livre est un partage de ce que l'on peut puiser dans la musique pour éclairer notre vie. Lire la suite Fermer

Quel regard critique impartial peut-on porter sur la composition musicale au féminin ?
La tache est éminemment délicate mais intéresse plus que jamais aujourd'hui une société avide de redonner aux femmes la place qu'elles méritent au sein du Panthéon de l'invention musicale.
Plutôt que d'écrire quelques énièmes fiches biographiques sur telle ou telle compositrice, Bruno Giner a préféré aborder ce sujet au prisme d'oeuvres de compositrices et de leur seule valeur artistique et musicale.
Bon nombre de ces créatrices ont été injustement oubliées par une histoire de la musique écrite par des hommes, lesquels pensaient peut-être à l'instar de Brahms, qu'il « n'existera de compositrice qu'avec le premier homme qui aura mis un enfant au monde » ou, pire encore, avec l'éminent chef d'orchestre Sir Thomas Beecham déclarant de son vivant « qu'il n'y a pas de femmes compositrices, il n'y en jamais eu et il n'y en aura jamais ! » Lire la suite Fermer

« La musique seule peut parler de la mort. » André Malraux, La condition humaine.

La musique, quelque soit l'époque et le style, parvient à rendre compte de notre finitude. Dans ce livre, on évoque des musiciens et leur rapport à la mort à travers des périodes historiques, des thèmes ou des formes musicales.

«Au XVIII? siècle, à la cour ou dans les salons, la punchline s'appelle un épigramme:il s'agit d'exécuter un adversaire intellectuel ou un concurrent mondain dans une formule ironique qui rassemble le plus d'électricité en le moins de mots. Remplacez le décor de l'aristocratie par celui des cités, les châteaux par des tours, les jardins par des squares, les carrosses de marquis par des comiques en Merco... et la punchline est née»(extrait de la préface de Thomas A. Ravier)

« Mama sé, mama sa, mama makossa », ce mantra de Manu Dibango (1933-2022) a été repris, samplé, plagié de Michael Jackson à Rihanna, en passant par les Fugees ou encore Beyoncé. Paru à l'occasion de la coupe d'Afrique des Nations en soutien aux Lions Indomptables du Cameroun, « Soul Makossa » constitue dès sa parution en 1972 un véritable manifeste culturel. Ce titre est la porte d'entrée naturelle dans l'oeuvre foisonnante de ce compositeur et saxophoniste d'exception, qui a su fusionner entre autres l'afro-beat de Fela Kuti et le zouk de Kassav', et donner naissance à la world music. Les tribulations artistiques de Manu Dibango l'ont conduit de Reims à Bruxelles, de Douala à Abidjan, de Paris à New York, où il a partout été acclamé, devenant dans les années deux mille le patriarche de la musique africaine. Ces entretiens, avec son ami et producteur Yves Bigot, rendent hommage à sa personnalité à travers son histoire personnelle comme musicale, sa vision originale du panafricanisme, et ses observations lucides des enjeux culturels et géopolitiques entre les peuples. Lire la suite Fermer

Qui aurait cru qu'une école du rap naîtrait à Boulogne-Billancourt et que ses artistes métamorphoseraient le hip-hop français ? Les Sages Poètes de la Rue, Booba, Ali, LIM, Salif, Mala, Kohndo, Nysay, Mo'vez Lang, Tuerie... tous ont marqué de leur empreinte cet ancien bastion ouvrier, fief de Renault, qui continue d'influencer les nouvelles générations de rappeurs.

Pour reconstituer l'histoire de l'école de Boulogne, l'auteur de cette enquête au long cours a interviewé plus de cinquante rappeurs, producteurs et journalistes. Des débuts des Sages Poètes de la Rue dans la zone du Pont-de-Sèvres au triomphe de Booba, en passant par la carrière écourtée de Salif, quel héritage ont laissé ces artistes qui se sont unis puis déchirés ?

Truffé d'anecdotes, Boulogne, une école du rap français passionnera le grand public comme les spécialistes. Lire la suite Fermer

Et si la radio était avant tout un art ? Empruntant au manifeste et à l'art poétique, Pour un art radiophonique appelait dès 1930 à investir créativement la T.S.F. (pour "télégraphie sans fil").
Précurseur et influencé par la psychanalyse, Deharme pressent que ce nouveau média, accessible à un large public, a le pouvoir de stimuler l'inconscient de l'auditeur en faisant émerger des images à partir des seuls mots et sons. Fourmillant de propositions avantgardistes, Deharme repense le reportage radio, ses conditions d'écoute et anticipe la possibilité du montage sonore, impossible à l'époque. Alors que le formatage n'épargne pas la radio, ce texte fondateur ouvre la voie vers tout un territoire à défricher. La radio n'a pas dit son dernier mot !

« La musique est l'art des sons. » De cette définition banale, retenue d'une leçon d'enfance, ce livre tire toutes les conséquences. Chemin faisant, il répond aux questions les plus simples et les plus profondes sur la musique et sur les arts. Pourquoi, partout où il y a de l'humanité, y a-t-il de la musique ? Pourquoi la musique nous fait-elle danser ? Pourquoi nous émeut-elle ? Et qu'est-ce que la beauté ?

« Une réflexion limpide et allègre sur l'essence et les sens d'un art majeur. Un livre à proprement parler extraordinaire. » Roger-Pol Droit, Le Monde des livres « Un des ouvrages les plus clairs, pertinents et enthousiasmants jamais écrits sur le sujet. » Robert Maggiori, Libération

Naguère taxé de conservatisme et d'élitisme, malgré sa réelle popularité, l'opéra n'en fut pas moins, tout au long de son histoire, le véhicule d'une pensée sociale et politique bien moins inféodée qu'on ne le croit à la pensée dominante. Il s'imposa ainsi comme la principale caisse de résonance des mouvements esthétiques, littéraires et philosophiques accompagnant son développement en même temps que le vecteur d'idées nouvelles, subversives ou révolutionnaires. Le renouveau de la mise en scène lyrique au xxe siècle a permis de mesurer le rôle important joué par l'opéra en tant que témoin de la modernité en faisant apparaître son discours critique sur les institutions, l'individu, le couple, la famille, le pouvoir, l'argent, le rapport à la nature et à la spiritualité - parmi bien d'autres aspects. Traversé de nombreuses innovations, le répertoire vingtièmiste, qui jette un regard souvent décapant sur les métamorphoses et les dérives de notre civilisation - et en particulier celles qu'imposent l'économie libérale - est particulièrement fécond.
Ce travail analytique entrepris par les metteurs en scène contemporains est ici repris et prolongé en considérant ce qu'une cinquantaine d'opéras représentatifs du xxe siècle disent de notre temps. On y trouvera aussi bien Poulenc que John Adams, Puccini, Stravinsky Richard Strauss, Chostakovitch et Britten, entre autres.

Agrégé de lettres, docteur en littératures française et comparée, Thierry Santurenne est chercheur associé au Laboratoire interdisciplinaire d'étude du politique Hannah Arendt de l'Université de Paris-Créteil et enseignant à l'École internationale d'Études politiques (Créteil-Fontainebleau). Lire la suite Fermer

Musicienne, poétesse, mais aussi photographe et peintre, Patti Smith est une artiste totale qui n'a eu de cesse, tout au long de sa carrière, de saluer ses influences artistiques. Des membres de cette famille choisie, le plus important est certainement Arthur Rimbaud. Entre la jeune prolétaire de Chicago et le poète de Charleville, un lien indéfectible se tisse. Grand frère, amant platonique, mentor, Arthur inspire Patti et la guide, par ses appels à la liberté et à la modernité, dans sa vie comme dans son art : « Il est avec moi à tous mes concerts [...] Je connais Arthur depuis toujours ». Par l'analyse du parcours artistique et personnel de Patti Smith, de sa découverte de l'oeuvre de Rimbaud à ses pèlerinages à Charleville, ce livre se propose de décrypter cette constellation intime.
Lire la suite Fermer

Savez-vous que sur les murs des grottes préhistoriques ont été découvertes les premières partitions musicales élaborées par nos ancêtres ?
Savez-vous que les chants des paysans de la vallée du Nil sont les mêmes que ceux chantés il y a cinq mille ans pour la naissance d'un enfant ou la mort d'un ami ?
Savez-vous que Pythagore a inventé son premier instrument de musique à la suite d'une visite chez un forgeron ?
Savez-vous que la musique de Bach est truffée de messages vers Dieu signés d'un code du génial compositeur ?
Savez-vous que les célèbres Mi-Mi-Do-Ré de la Cinquième Symphonie de Beethoven annoncent « les coups du destin frappant à la porte » ? Et que la Lettre à Elise recèle de biens troublants mystères ?
Savez-vous que dans son Carnaval, Schumann a glissé de multiples cryptogrammes qu'il appelait « Sphinxes » ?
Comment et pourquoi les oeuvres de Wagner pouvaient rendre fous leurs auditeurs ? Comment Scriabine voulait provoquer l'extase ? Quels rythmes secrets dans les oeuvres de Debussy provoquent cette impression de sérénité ? Comment Chostakovitch voulait terrifier les troupes nazies ?...
Vivant, curieux, surprenant, érudit, amusant, Jean Louis Bachelet nous raconte l'histoire de la musique et de ses plus grands compositeurs à travers de multiples références et anecdotes, puisées aux sources mêmes de leur création. Lire la suite Fermer

La Philharmonie de Paris, en collaboration avec le Musée des beaux-arts de Montréal, présente À plein volume : Basquiat et la musique. Il s'agit de la première grande exposition consacrée à la place de la musique dans l'oeuvre de Jean-Michel Basquiat. L'exposition regroupe plus d'une centaine d'oeuvres de Basquiat, de nombreux extraits sonores, extraits vidéo, carnets et documents d'archives, et porte un regard approfondi sur la carrière de musicien de l'artiste, sur les sons qu'il a traduits en peinture et sur les musiciens qui l'ont inspiré. Elle jette un nouvel éclairage sur sa carrière d'homme de scène et de musicien, notamment au sein du groupe Gray, dont il était l'un des membres fondateurs.

Il y a soixante ans, les Beatles sortent Love me do, leur premier single. Depuis, leur musique, leurs chansons, leur génie comme leur révolution accompagnent la planète. Des stars mieux que Jésus Christ Comme tels, les Beatles ne s'appartiennent plus vraiment. Au-delà des mélodies et des mots, ils sont une culture autorisant excès et libertés. Alors pourquoi pas, en dédicace, un petit opus surréaliste et inédit qui, avec pudeur et passion, s'autorise à convoquer John, Georges, Paul et Ringo du côté des casseroles.

Considéré comme le plus rock des critiques gastronomiques, Emmanuel Rubin, journaliste au Figaro et à Europe 1, cofondateur du Fooding, invite les pop chefs de la scène culinaire à mettre en saveurs les standards les plus food des Beatles : Mean Mr Mustard, Octopus's Garden, Wild Honey Pie, Penny Lane, Glass Onion, Savoy Truffle, Strawberry Fields Forever, The Ballad of John and Yoko, Lucy in the Sky with Diamonds ou encore Yesterday qui a bien failli s'appeler Scrambled Eggs. Lire la suite Fermer

« Ceci n'est pas un livre pour les musiciens, non plus que pour les non-musiciens ; il est destiné, plutôt, à l'esprit curieux désireux de découvrir les parallèles entre la musique, la vie, et cette sagesse qui devient audible pour l'oreille pensante.

La musique peut être beaucoup plus qu'un agréable élément ornemental. Elle exige un parfait équilibre entre intellect, émotion et tempérament. Si l'on parvenait à cet équilibre, les hommes et même les nations pourraient interagir plus facilement.

Si le West-Eastern Divan Orchestra est évidemment incapable d'apporter la paix, il peut cependant créer les conditions d'une compréhension sans laquelle il est impossible de parler de paix. Il a la faculté d'éveiller la curiosité de chaque individu, de l'inciter à écouter le récit de l'autre. Puis, lorsqu'on a entendu l'inacceptable, il devient possible d'accepter la légitimité du point de vue de l'autre. ».
D. B. Lire la suite Fermer

« La musique vous prend, et vous ne savez pas où elle vous emmène. Assez vite quand même apparaît une chose simple : si elle vous prend, c'est d'une main ferme, presque impérieuse... Elle vous mène où vous ne saviez pas pouvoir aller. Vient le moment où s'impose une évidence : le voyage n'aura plus de fin ».

En retraçant le cheminement de la musique, Sylvain Fort tente de cerner ce que peut être une sensibilité musicale et ce qu'il nous est permis d'attendre de cet art invisible, aérien, abstrait, dont les effets sont plus manifestes et physiques qu'aucune autre forme d'expression.

Vocalises d'oiseaux, stridulations d'insectes, chants mélodiques de baleines, hurlements chorals de loups... Depuis toujours, l'homme s'est confronté aux voix animales pour les reproduire, les transcrire ou les transfigurer. D'innombrables bestiaires jalonnent ainsi l'histoire de la musique, de Rameau à Saint-Saëns. De nombreux instruments, appeaux, serinettes ou flageolets d'oiseaux, empruntent aussi aux animaux leurs formes et leurs matières, ou cherchent à en imiter les sons. Sans oublier les récits qui poétisent le lien des hommes aux animaux, comme Les Musiciens de Brême, ou encore Papageno, célèbre homme-oiseau de La Flûte enchantée de Mozart, dont l'identité même rend évidente l'affinité profonde que l'humanité nourrit avec la partition du vivant.

Entre imagier vagabond et cabinet de curiosités, chaque lettre de ce catalogue en forme d'abécédaire montre l'influence extraordinaire des voix animales dans l'histoire de l'art et de la musique, et questionne le devenir de la biodiversité et la disparition d'un patrimoine sonore en danger. Lire la suite Fermer