A travers 250 pochettes d'albums iconiques dans des genres variés (pop, jazz, soul, funk, chanson, reggae, musique brésilienne...), ce beau livre, richement illustré parcourt les territoires multiples de l'âge d'or du vinyle. Mettant en valeur l'art du graphisme, ce livre fait également le point sur l'évolution de l'industrie et la production musicale, à travers des focus sur des labels mythiques (Blue Note, Impulse...), des producteurs, des arrangeurs ou des musiciens de studio.
Le livre sera réalisé en coproduction avec la Discothèque de Radio France, la plus grande discothèque d'Europe.

Ils sont 222 auteurs, romanciers, poètes, journalistes ou musiciens. Chacun d'entre eux a choisi un musicien ou une musicienne du XXe siècle et écrit un texte libre de quatre pages.Musique classique, chanson, musiques du monde, pop, rock, reggae, jazz, rap, musiques électroniques, toutes les musiques sont présentes dans ce livre qui forme un vaste un panorama littéraire de la musique du siècle passé.

Les sorcières descendent de leurs balais, abandonnent leurs chaudrons et passent à l'électricité : elles branchent leurs micros, leurs guitares et leurs amplis pour nous jeter un sort avec la musique envoûtante qu'elles concoctent. Ces artistes-sorcières se nomment : Kate Bush, Stevie Nicks, Yoko Ono, Nina Simone, Anne Sylvestre, Marianne Faithfull, ou encore Lana Del Rey. Abandonnant grimoires et chats noirs, les sorcières reviennent dans la culture populaire, jusqu'à revendiquer ce qui pendant trop longtemps fut un signe d'infamie, ou comme le chante Yoko Ono : « Yes, I'm a Witch » !

MICHEL GAUBERT SÉLECTIONNE LA MUSIQUE DES DÉFILÉS CHANEL, FENDI OU SACAI DEPUIS 1990. CE LIVRE RACONTE LA TRAJECTOIRE D'UNE VIE PASSÉE À CRÉER LA BANDE-SON DE CES CINQUANTE DERNIÈRES ANNÉES.

Stravinsky : nom légendaire ! Comptant parmi les compositeurs les plus marquants et controversés du XXe siècle, Stravinsky fit scandale dès 1913 avec Le Sacre du printemps, véritable révolution rythmique et harmonique.

Conversations avecStravinsky embrasse ainsi toute une existence, de l'enfance dans la Russie impériale à la collaboration avec Diaghilev, Nijinsky et les Ballets russes.
Que ce soit par l'évocation de sa propre méthode de composition, de son rapport à la musique et des artistes qu'il a côtoyés, jusqu'à sa vision de la musique contemporaine, Boulez et Stockhausen en tête, ces entretiens nous plongent dans une époque d'une grande richesse artistique.

Peu d'entretiens auront donné un tel accès à la biographie d'un compositeur de cette envergure.

À 32 ans, Glenn Gould décide de ne plus se produire en public en faveur des enregis­tre­ments en studio. Ce revirement dans sa carrière restait à ce jour une énigme. Il s'en explique ici, dans un texte étonnant. Pourtant, il affranchit d'emblée : il ne souhaite pas parler de musique. De quoi, selon lui, favoriser les révélations. Et en effet. Mais la forme même du texte est plus évocatrice encore ; dans ce dialogue avec lui-même, l'auteur met en scène un subtil jeu de thèses-antithèses. L'attraction magnétique que le musicien exerce sur son public ravit ici, au sens propre et figuré, le lecteur.

Les disques vinyle sont aujourd'hui très prisés, autant par des audiophiles que par des collectionneurs débutants qui découvrent cet univers. Ce livre s'adresse à eux, et à tous ceux qui se trouvent entre les deux. Les plus grands spécialistes du domaine y rendent un magnifique hommage au disque vinyle et à la révolution des platines :
- Richie Unterberger explore l'histoire du 33 tours et de son prédécesseur, le 78 tours, ainsi que d'autres formats tels que l'EP et le disque 45 tours.
- Gillian Gaar s'attaque aux temples de la platine et du disque, en examinant le merchandising, les disquaires indépendants face aux chaînes, le Record Store Day, etc.
- Martin Popoff fait l'éloge de l'objet physique lui-même, en évoquant l'évolution de la pochette, les grandes pochettes de disques, les artistes et photographes influents dans le domaine, ainsi que le packaging.
- Ken Micallef s'adresse aux audiophiles et revient sur l'histoire et la conception des platines tournedisques, les différentes pièces qui la composent, et les autres composants des chaînes hi-fi.
- Matt Anniss s'intéresse aux amateurs de vinyle et à des sujets tels que les espaces d'écoute, la lecture et l'entretien des disques, et la place du vinyle dans les cultures DJ et hip-hop.
De passionnants encadrés traitent des labels légendaires, de Stax à Sub Pop, des magasins de disques remarquables à travers le monde, des pochettes de disques emblématiques, d'un guide de classement
des albums pour les débutants et des formats qui ont remis en question la suprématie du disque microsillon, de la cartouche 8 pistes au format MP3. Lire la suite Fermer

« Je suis né avec un coeur excentrique. » Irrévérencieux, introspectif et éclairant, Surrender est le récit organisé - mais pas trop - de la vie de Bono autour de 40 chansons de U2.
Artiste combatif donnant le meilleur de lui-même lorsqu'il sait capituler, Bono grandit dans le nord de Dublin - alors que les violences sectaires se multiplient en Irlande -, entre un père catholique et une mère protestante. La perte de cette dernière, alors qu'il n'a que quatorze ans, va nourrir son besoin de famille. Ayant eu très jeune le sentiment d'être quelconque, il consacrera toute son existence à prouver que personne ne l'est. Sa créativité éruptive ne le quitte jamais... et, s'il peine à maîtriser sa colère, il reconnaît avoir un ego « bien plus grand que [s]on amour-propre ». Bono, d'abord activiste à mi-temps, s'engage ensuite pleinement dans la lutte pour l'annulation de la dette des pays les plus pauvres, et persuade les gouvernements - en particulier les États-Unis - de répondre à l'urgence mondiale qu'est le sida, ce qui conduira à la naissance du PEPFAR, à l'époque la plus grande initiative sanitaire de l'histoire de la médecine pour tenter de vaincre une seule et même maladie. Il décrit les militants de l'ONG ONE, dont il est le cofondateur, comme des « factivistes » - des activistes s'appuyant sur des faits -, et son organisation soeur, RED, comme une « drogue d'entrée » dans le militantisme. En quatre décennies, la bande d'adolescents ambitieux deviendra le plus grand groupe au monde. Les fans apprendront pourquoi U2 ne s'est jamais séparé malgré leurs nombreux désaccords enflammés, et décrypteront le sens des morceaux les plus populaires et influents.
Les portes de la vie intérieure de Bono sont ouvertes, avec pour thèmes récurrents le gâchis du potentiel humain et la foi de l'artiste, présente jusque dans son mariage, sa musique et sa guerre contre l'extrême pauvreté. Surrender est aussi une déclaration d'amour adressée à sa femme, Ali, qu'il convie à leur first date la semaine de la première répétition du groupe. C'est elle qui donne le la dans cette pièce, dont le troisième acte questionne davantage qu'il ne répond quant aux causes à défendre. Paul David Hewson, alias Bono, remplit les stades avec U2 depuis quarante ans. Le groupe a vendu 170 millions d'albums et gagné vingt-deux Grammys ainsi qu'une foule de distinctions, notamment la Légion d'honneur. Lire la suite Fermer

Compositeur prolifique dont le nom reste attaché à ce Roméo et Juliette moderne qu'est West Side Story, où il mêle jazz, musique populaire, choral religieux, opéra italien et pop music, Leonard Bernstein sera jusqu'à sa mort (1990) l'un des personnages les plus en vue de la musique américaine.
Sa vaste culture, son ouverture d'esprit et son amour viscéral de la musique ont fait de lui l'un des plus grands chefs d'orchestre du XXe siècle. Mais c'était aussi un grand pédagogue, comme en témoignent les « Conférences Norton » qu'il donna à l'invitation de l'université de Harvard à l'automne 1973.
Sous le titre générique inspiré par l'oeuvre homonyme de Charles Ives The Unanswered Question (« La Question sans réponse »), il propose, au cours de ces conférences, six exposés qui envisagent l'état de la musique au XXe siècle. Son but n'est pas de dresser un bilan, mais de montrer l'évolution de la création musicale depuis les temps anciens.
S'inspirant de la linguistique moderne représentée par Noam Chomsky, il commence par montrer de façon éclairante que, sans être un langage articulé, la musique est néanmoins un moyen d'expression comportant ses structures, sa grammaire et son vocabulaire.
Cela lui permet d'évoquer les chefs-d'oeuvre de la musique de Bach à Boulez, en passant par Beethoven, Wagner, Mahler, Schoenberg, Stravinsky, le jazz ou les Beatles. Il émaille ses propos de nombreux exemples musicaux (plus de 600), reproduits ici. D'une manière très accessible, c'est ainsi une véritable histoire de la musique qu'il esquisse avec originalité et brio. Pour en arriver à la question qui lui tient à coeur et qui illustre la crise à laquelle cette discipline artistique semble à présent confrontée : où va la musique ?
À noter qu'il s'agit du seul ouvrage de Bernstein disponible en français.
À signaler la sortie en 2023 du film Maestro sur le couple formé par Bernstein (Bradley Cooper) et sa femme Felicia (Carey Mulligan), film ayant reçu un bon accueil de la critique. Lire la suite Fermer

Si vous aussi, vous ressentez l'envie d'échapper à l'hystérie de l'époque en faisant un pas de côté et en tournant poliment le dos au jeunisme ambiant, cette revue est faite pour vous. Elle vous fera replonger dans des oeuvres parfois oubliées, rencontrer des personnages hauts en couleur, mémoires encore vivaces de notre patrimoine culturel, vous permettant ainsi de satisfaire vos goûts de jeune (ou vieux) schnock. Ni rétrograde, ni passéiste. Schnock, donc... Tout bonnement. Alors rejoignez-nous !

« La musique est l'art des sons. » De cette définition banale, retenue d'une leçon d'enfance, ce livre tire toutes les conséquences. Chemin faisant, il répond aux questions les plus simples et les plus profondes sur la musique et sur les arts. Pourquoi, partout où il y a de l'humanité, y a-t-il de la musique ? Pourquoi la musique nous fait-elle danser ? Pourquoi nous émeut-elle ? Et qu'est-ce que la beauté ?

« Une réflexion limpide et allègre sur l'essence et les sens d'un art majeur. Un livre à proprement parler extraordinaire. » Roger-Pol Droit, Le Monde des livres « Un des ouvrages les plus clairs, pertinents et enthousiasmants jamais écrits sur le sujet. » Robert Maggiori, Libération

« Savoir où se positionner rythmiquement en ponctuant, en syntaxant, sans en faire trop - tout en gardant la pulse et sa force intérieure -, c'est tout l'art du batteur.
Ponctuer, syntaxer ! »

Le « beat », c'est le groove, le tempo, le coup du batteur. Les rencontres de Manu Katché, ses expériences artistiques, sa vie au quotidien ont nourri ce beat, cette manière si particulière de frapper sa « snare » (caisse claire). Ce beat, au départ, était « frêle et vert » ; il a mûri, s'est développé, transformé. Aujourd'hui, il est patiné - c'est ce qui en fait le prix !
Il était temps, pour ce célèbre batteur de rock et de jazz, de revenir sur son parcours franco-français. Ainsi, à la manière d'un dictionnaire aux entrées en forme d'hashtags (#Audace, #Alladin, #Sanson Véronique, #Coluche, #Singularité, #Dewaere Patrick, #Obispo Pascal...), nous raconte-t-il sa vie de musicien. On y croise tous ceux qui ont compté et qui comptent encore dans la chanson française (Francis Cabrel, Jean-Jacques Goldman, Louis Bertignac, Michel Jonasz, Catherine Lara, Daniel Lévi, Jeanne Mas, Mireille Mathieu, Sheila, Sinclair). Manu Katché les croque dans l'intimité des studios, sur scène et backstage.
On l'aura compris : ce document de première main est sans concession. Les coups de cymbales sont nombreux. On rit, on s'étonne, on apprend, on découvre. C'est un témoignage brut, mené tambour-battant. Ça pulse ! Les vrais amateurs de musique ne s'y tromperont pas. Lire la suite Fermer

Si Sans fautes de frappe Bettina Ghio s'intéressait à la première scène rap française, À l'ammoniaque propose d'entrer dans le vif de la nouvelle scène post-2008, année de l'introduction de l'auto-tune par Booba. Dressant un panorama qui a vocation à valoriser la créativité et la diversité des styles nés ces quinze dernières années, Bettina Ghio s'attache à explorer ces derniers ainsi que leurs liens avec les évènements sociaux et politiques de notre époque. En partant du constat que le rap est devenu la musique des jeunes français et celle qui représente le mieux la musique d'expression française au niveau international, elle porte une attention particulière aux liens qu'il entretient avec la culture populaire tout comme avec la littérature d'expression écrite.

«Conversations» est une série de vingt entretiens donnés par le légendaire compositeur Steve Reich.
Figure de proue du mouvement minimaliste aux côtés de Philip Glass ou Terry Riley, sa musique a influencé nombre de jeunes musiciens, chorégraphes ou artistes.
Il s'entretient ici avec des collaborateurs, des compositeurs, des musiciens influencés par son travail. On retrouve des grands noms tels que Brian Eno, Johnny Greenwood (Radiohead) ou la chorégraphe Anne Teresa de Keersmaeker. Avec eux, il revient sur sa carrière, ses inspirations, son approche de la composition...
Ces discussions libres et sans filtre permettent d'entrer en profondeur dans la vie, la pensée et l'oeuvre de Reich. Et de découvrir ainsi les cheminements par lesquels s'est échafaudée la musique de ce compositeur majeur.

Nicholas Cook accomplit ici un véritable tour de force en donnant à voir en si peu de pages ce qu'est la musique. D'où vient-elle ? Comment est-elle construite ? Qu'est-ce qui nous charme en elle ? Nicholas Cook répond à ces questions avec humour et finesse, en s'appuyant sur des exemples qui vont de Beethoven aux Spice Girls en passant par la cithare chinoise. Il analyse les valeurs individuelles, sociales, culturelles et même sexuelles qu'elle véhicule, les différents usages qu'on en fait (du religieux à la publicité), et se place tour à tour du point de vue du compositeur, de l'interprète et de l'auditeur. Il met au jour les structures sociales et institutionnelles qui conditionnent l'approche que chaque société a de la musique.
Lire la suite Fermer

Les tontons rappeurs.
Au fil du dialogue, la proximité d'Oxmo Puccino et MC Solaar se fait de plus en plus nette : tous deux ont en partage la déambulation un carnet à la main, la lecture boulimique de tout et de rien ou encore l'amour du temps qui s'étire - un concept qu'Oxmo Puccino nomme slow life. Fatalement, cela se retrouve dans leur musique. Solaar et Puccino portent une attention extrême à leurs mots, respectent une diction lente pour les mettre en valeur et abordent, souvent avec douceur, des sujets découverts au cours de leurs flâneries. Sans jamais écraser, leur écriture ludique découvre les maux de notre société en s'obligeant à les bien nommer.

La voix, souvent dématérialisée, est généralement réduite à son contenu, et dans l'imaginaire commun, elle est perçue comme un simple moyen de communication. Cependant, il est crucial de reconnaître son potentiel d'action. La voix agit et incarne une manière unique d'être au monde, en étant à la fois une forme de proximité et un moyen de soulèvement contre toute forme d'appropriation de la vie. L'art a fréquemment fait usage de cette puissance de la voix, en la déformant, en la démystifiant, en écoutant son silence ou en la faisant vaciller dans le processus de traduction. Ainsi, la voix ne se limite pas à être une onde invisible et articulée qui traverse l'espace. Elle est également à l'oeuvre pour agir et générer de nouveaux mondes, des OEuvres de la voix. Lire la suite Fermer

Et si la radio était avant tout un art ? Empruntant au manifeste et à l'art poétique, Pour un art radiophonique appelait dès 1930 à investir créativement la T.S.F. (pour "télégraphie sans fil").
Précurseur et influencé par la psychanalyse, Deharme pressent que ce nouveau média, accessible à un large public, a le pouvoir de stimuler l'inconscient de l'auditeur en faisant émerger des images à partir des seuls mots et sons. Fourmillant de propositions avantgardistes, Deharme repense le reportage radio, ses conditions d'écoute et anticipe la possibilité du montage sonore, impossible à l'époque. Alors que le formatage n'épargne pas la radio, ce texte fondateur ouvre la voie vers tout un territoire à défricher. La radio n'a pas dit son dernier mot !

Découvrez l'histoire complète de la révolution numérique au sein de l'industrie musicale. De 1990 jusqu'à aujourd'hui, revivez les bouleversements de l'industrie, comme le passage des vinyles aux CD, l'explosion des nouvelles technologies des années 2000, ou encore l'arrivée du streaming au sein de tous les genres musicaux. Appréhendez également des questionnements actuels autour des plateformes d'écoutes comme Spotify, et sur leur manière de se servir du numérique vis-à-vis de la musique.

Jeune pianiste de jazz dans les boîtes du port de Nice, Alain Goraguer commence réellement sa carrière dans la chanson rive gauche, aux côtés de Boris Vian, pour lequel il compose certaines chansons restées célèbres, comme la «?Java des bombes atomiques?» ou «?Je bois?». Repéré par Philips, il orchestre ensuite «?Le poinçonneur des Lilas?», «?L'eau à la bouche?», qui marquent les débuts d'un artiste qui tardera à rencontrer le succès?: Serge Gainsbourg. « Gogo » prend ensuite son envol et il arrange les classiques que sont à présent «?Poupée de cire, poupée de son?» de France Gall, «?Inch'Allah?» d'Adamo, «?Le métèque?» de Georges Moustaki ou encore «?La montagne?» de Jean Ferrat. Parallèlement à sa carrière d'arrangeur, les réalisateurs le sollicitent et Goraguer écrit la musique de plusieurs films, dont celle de La Planète sauvage, qui sera samplée par Madlib, J Dilla, Flying Lotus, soit la crème des beatmakers américains. En ¬s'appuyant sur les entretiens qu'Alain Goraguer lui a accordés avant son décès, et les riches archives qu'il avait conservées, ¬l'auteur s'attache à retracer le destin hors norme d'un homme qui avait choisi de rester dans l'ombre Lire la suite Fermer

« C'est un métier très étrange, la musique de films : on est au service d'un projet commun, mais il y a toutes ces contraintes, de temps, d'échanges, de communications avec le metteur en scène... Il faut chercher, jusqu'à ce que la musique devienne vraiment l'image. Elle n'est plus seulement la musique, elle est dans le film. » Une plongée passionnante au coeur de la composition des musiques de films, de Nino Rota (Le Parrain, etc.) à John Williams (Star Wars, etc.). Et bien sûr, le travail du célèbre Alexandre Desplat vu et expliqué par lui-même, qui nous permet de mieux comprendre la richesse, la subtilité et l'importance de la musique dans le cinéma d'hier et d'aujourd'hui.

En 1991, Giuseppe Sinopoli écrit Parsifal à Venise, essai enchanteur, envoûtant, sur le chef-d'oeuvre ultime de Richard Wagner. Deux ans auparavant, après une répétition de son troisième acte, l'éminent compositeur et chef d'orchestre italien, distrait par le leitmotiv de l'erreur à la sortie du Teatro La Fenice, se perd, une nuit entière, dans le labyrinthe de la cité lagunaire où, pourtant, il est né et a étudié. Son esprit s'y emplit des thèmes littéraires et spirituels du drame wagnérien : l'arbre, la fleur et le jardin magique, la croix, la lance, le sang, le Graal... Comme prise dans le flux des eaux et de la musique, l'errance suscite une méditation sur le mythe, le rite, le labyrinthe, la caverne, le symbole, l'organisation de l'espace et du temps, jusqu'à la Lumière que promet l'aube. Alors le roman d'une telle nuit se fait « journal de l'âme », ainsi que Giuseppe Sinopoli qualifiait les pages de son essai, nouant splendidement l'âme de Parsifal et la sienne propre. Celle aussi d'un inconscient commun à travers les siècles, à l'exemple du limon ou des strates pierreuses de Venise, et au-delà, vers la Mésopotamie et les sables bibliques, vers l'Égypte, la Grèce et l'Étrurie, dans une quête du sens de la vie et de la mort.

Au texte de Sinopoli, Laurent Feneyrou, musicologue et traducteur, a ajoute´ une longue postface qui restitue la pensée et l'art de l'auteur, que ce livre nous permet de redécouvrir. Lire la suite Fermer