Flammarion
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Un panorama de l'art grec ancien permettant de comprendre les différences entre l'ordre dorique et ionique, de découvrir l'architecture civile, militaire et funéraire, d'identifier les dieux sur le fronton du temple de Zeux à Olympie, etc.
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Une synthèse de toutes les formes d'art de ce pays, y compris le cinéma et la photographie. Un ouvrage de référence avec de nombreux renseignements pratiques pour le visiteur.
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Ce parcours dans l'art espagnol, des grottes d'Altamira à Antoni Tapiès, a été confié à une équipe de spécialistes reconnus.
Il veut souligner combien, avec ses spécificités propres, l'art espagnol est creuset d'éclectisme et générateur de créateurs incontournables qui, comme Goya ou Picasso, dépassent leur cadre historique pour forger l'avenir. Terre d'échanges, l'Espagne possède une création artistique aux multiples influences : phéniciennes, grecques, romaines, arabes et même africaines. Décrivant les créations méconnues aussi bien que les chefs-d'oeuvre, l'art rupestre aussi bien que l'art romain, islamique et chrétien, cet ouvrage réserve une grande place aux découvertes récentes qui ont considérablement enrichi le patrimoine espagnol et renouvelé la vision que le public cultivé doit en avoir.
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Que faut-il entendre par «art» au XXe siècle ? Matisse ou Godard, Braque ou Brassai, Duchamp ou Laurens ? Faut-il y inclure les «naïfs», les «fous», les statues «nègres» et les «poupées» hopi ? L'histoire de l'art, quand elle écrit le mot au singulier, le prend pour l'abréviation de «beaux-arts», au sens que la tradition académique assigne à la formule. Or il faut l'écrire au pluriel, car il est prudent de ne pas prétendre savoir ce qui est «de» l'art au XXe siècle, ce qui n'en est pas, ou plus, ou pas encore.
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Une introduction au monde de l'art de l'Egypte ancienne qui permet d'apprendre à reconnaître les chapiteaux et colonnes, à décrypter les décors des tombes royales, de comprendre les différences entre la statuaire royale, divine ou civile, etc.
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Iconographie de la renaissance italienne
Elisa de Halleux
- Flammarion
- Tout L'art
- 1 Octobre 2004
- 9782080113085
TOUT L'ART Encyclopédle
ICONOGRAPHIE DE LA RENAISSANCE ITALIENNE
Souvent destinées à des commanditaires friands d'énigmes et de significations cachées, les oeuvres produites à la Renaissance utilisent volontiers une iconographie complexe, dont le sens tend à devenir de plus en plus obscur pour le public contemporain. L'ambition de ce livre est de fournir les principales clefs nécessaires à sa compréhension.
Classées par ordre alphabétique, les notices abordent plusieurs grandes catégories de sujets : les personnages bibliques, mythologiques ou historiques les plus fréquemment représentés par les artistes de l'époque; les principales allégories et les concepts auxquels elles renvoient ; les thèmes mythiques...
L'ouvrage rassemble ainsi de façon aussi synthétique et complète que possible les éléments constitutifs de la culture visuelle des hommes de la Renaissance et de ses manifestations artistiques.
Ancienne élève de l'Institut Courtauld et de l'École des Hautes Études en Sciences Sociales, Elisa de Halleux est doctorante en histoire de l'art (Les figures androgynes dans l'art de la Renaissance, sous la direction de Philippe Motel). Elle a présenté des communications à différents colloques.
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La somme de Jean-Claude Marcadé sur l'avant-garde russe, construite sur une documentation de première main, s'est désormais affirmée comme l'ouvrage de référence sur le sujet. Russologue distingué, traducteur de Malevitch en français, Jean-Claude Marcadé est un connaisseur averti des écrits et des archives des artistes russes entre 1890 et 1930. La fresque qu'il nous donne ici des grands mouvements artistiques de l'avant-garde russe de 1907 à 1927 - néoprimitivisme, cézannisme, fauvisme russe, cubo-futurisme, première abstraction, supré-matisme, constructivisme, école de Matiouchine, école de Filonov - restitue systématiquement ces derniers dans le contexte des problématiques et des polémiques des milieux artistiques du début du XXesiècle, des applications multidisciplinaires de chaque tendance (livres, théâtre, imagerie populaire, design) et des aléas de la réorganisation du système artistique après la Révolution de 1917. Les annexes de l'ouvrage, importantes, comprennent les notices biographiques des principaux artistes, une chronologie des événements politiques et culturels, un glossaire des termes russes, des mouvements et des revues, ainsi qu'un index.
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Au sein de la Renaissance italienne, Venise occupe une position originale par sa situation géographique, par son indépendance politique et ses usages sociaux. Carrefour entre les pays du nord de l'Europe et du centre de l'Italie, entre l'Orient et l'Occident, la cité des doges réussit à tresser un tissu social cosmopolite, à inventer une culture ouverte à d'innombrables courants pour créer un style homogène et unique. Elle sut également composer une vie sociale sans heurts, ordonnée autour d'institutions originales comme les scuole. Patricia Fortini Brown, en ne prenant en considération que les oeuvres exécutées pour des commanditaires vénitiens, trace un portrait fidèle de la Venise du XVIe siècle et cerne avec précision les caractéristiques de la vie artistique locale - notamment la préférence des peintres vénitiens pour le colorito plutôt que pour le disegno, guide incontesté de la peinture dans le reste de la péninsule. L'auteur confronte les créations picturales, architecturales à la réalité sociale, culturelle qui les a conditionnées et par l'analyse des habitudes quotidiennes, des pratiques de dévotion, des relations entre l'individu et l'État, restitue l'image d'une cité et d'un centre artistique incomparables.
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Aux alentours de l'an mil, dans une Europe instable et divisée, à la merci des invasions et des désordres internes, naît ce que l'on a dénommé l'art roman. Durant deux siècles il symbolisera le renouveau de l'Occident médiéval, dominé par le Saint Empire romain germanique et le royaume de France des premiers Capétiens. À la fin du XIIe siècle, ses derniers feux témoignent encore de la vigueur de son style qui résiste en maints endroits à l'emprise de l'art gothique. Cet ouvrage étudie les conditions d'apparition, de création et d'innovation de l'art roman dans son contexte géographique, historique, social, politique et religieux. Dans le cadre des chantiers conduits sous la férule de l'Eglise, il analyse la notion d'artiste, de magister, face aux commanditaires, évoquant charpentiers et maçons, sculpteurs et peintres. Puis il aborde successivement l'apparition des formes et d'une iconographie originales dans la sculpture et l'architecture, la mosaïque, le vitrail et l'émail; le rôle majeur que tiennent les ordres monastiques, en particulier les clunisiens et les cisterciens, ainsi que les routes de pèlerinage et le culte des saints ou des reliques; la place de la femme dans l'art, tant sous un angle iconographique, avec les représentations d'Eve et de la Vierge, que social et religieux, présentant quelques exemples d'abbesses importantes. Enfin il souligne l'influence des arts antique, carolingien et byzantin ainsi que celle de l'Orient ancien à travers les rapports que l'art roman entretient avec le monde islamique.
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La Cité interdite, les nombreux palais, la sculpture, la peinture, la céramique : toutes les formes de l'art chinois dans cette monographie.
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Retrace l'histoire complète de l'art égyptien depuis environ 4000 avant J.-C. jusqu'à nos jours.
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De l'époque carolingienne, on retient souvent l'immense stature de Charlemagne et le prestige de la dynastie qu'il inaugura. Volet initial d'un triptyque culturel annonçant les Ages roman et gothique, ce moment artistique est longtemps apparu comme l'apogée de la création haut médiévale, offrant la première grande définition des valeurs artistiques de l'Europe chrétienne. La synthèse qui nous est ici présentée dresse un panorama de l'art de cette période, mais va plus loin puisqu'elle en renouvelle l'approche. Elle se propose en effet de replacer l'art carolingien au fil d'une progression de bien plus ample volée, en se basant sur de nombreuses données inédites issues des recherches menées dans le champ de l'archéologie paléochrétienne et des arts du " premier " haut Moyen Age. Ainsi, la prise en compte des prémices, avec les réalisations importantes du règne de Pépin le Bref dès le milieu du VIIIe siècle, mais aussi l'analyse des oeuvres produites dans la mouvance de Charles le Chauve dans les décennies 840-870, ou encore l'attention portée au mécénat des hauts dignitaires, conduiront à une sensible réorientation de la réflexion sur le sujet. Enfin, l'accent mis sur l'étude de la finalité des oeuvres permettra de mieux appréhender l'esprit des concepteurs de cet art.
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Histoire du costume en France du Moyen Age aux années 1990, présentant l'évolution des tissus, coupes et accessoires.
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Panorama complet des arts du Japon de la préhistoire à nos jours. Chaque chapitre permet de comprendre les conditions d'élaboration de l'art durant la période considérée. Analyse exhaustive de toutes les expressions artistiques (architecture, sculpture, peinture, arts décoratifs) sous les aspects religieux (bouddhisme, culte shinto) et profane (arts palatial, militaire, domestique).
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A la fin du Moyen Age, au début de la Renaissance, un système mental succède à un autre.
Le monde cesse d'être pensé de façon théorique. Il est examiné et commence à être compris par l'observation. Les peintres jouent un rôle fondamental dans cette mutation. A partir du XIVe siècle, Giotto, Ambrogio Lorenzetti, puis les Limbourg, Jan Van Eyck, enfin Dürer et Léonard de Vinci, se donnent pour objet d'imiter les choses qui les entourent. Ils n'évoquent plus l'Eau, l'Air, la Terre ou le Feu - éléments abstraits - mais ils distinguent la vague, le torrent, la goutte, le lac ; ils représentent les nuages, si divers, et les vents, rapides ou tranquilles ; ils montrent les boues, les rochers, la flamme dans la cheminée ou l'incendie qui ravage les maisons.
Les oeuvres que ces artistes peignent favorisent une prise de conscience : celle de la beauté du monde mais aussi de sa fragilité. Le sentiment de la nature naît peut-être à ce moment, de cette crise visuelle qui est une crise européenne. L'objet de ce livre est d'explorer les origines du genre du paysage ; il est aussi, et plus profondément, de chercher les racines de notre monde moderne, que hantent les questions d'environnement et la peur d'un changement où sombrerait la nature.
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Emanation d'une grande diversité d'îles, l'art d'Océanie est très divers. L'auteur le replace dans son contexte et montre comment il est étroitement lié à la vie spirituelle, au pouvoir politique et à l'organisation sociale. Art, pouvoir temporel et spirituel confondus se résument dans le concept de Mana.
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L'art d'europe centrale
Thomas Da Costa-Kaufmann
- Flammarion
- Tout L'art
- 22 Février 2001
- 9782080137005
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Francis picabia - la peinture sans aura
Arnauld Pierre
- Flammarion
- Tout L'art
- 19 Septembre 1996
- 9782080122377
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Ce guide propose une étude des instruments et des modes de réalisation
mis en oeuvre dans les principales disciplines de la création artistique : dessin,
peinture, gravure et sculpture. Il se définit comme un outil de savoir destiné à
approfondir notre connaissance de la pratique artistique grâce à un répertoire
alphabétique regroupant définitions, historiques et analyses des différentes
techniques de l'art d'hier et d'aujourd'hui. Il a donc pour double ambition de
donner un large panorama des matériaux et des règles de la pratique artistique
mais aussi de montrer leur nécessaire inscription dans l'histoire des courants
artistiques. Les nombreux renvois, les bibliographies détaillées ainsi que les
illustrations fonctionnent comme autant de repères didactiques, conférant à
l'ouvrage une grande facilité d'accès et son caractère de référence.
Véritable petite encyclopédie, Les Techniques de l'art se veulent un manuel
de consultation et d'information qui s'adresse aussi bien aux étudiants
qu'aux artistes mais souhaite avant tout rester un guide culturel pour tous
les amateurs d'art ou visiteurs de musées curieux d'en savoir plus.
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Dès la fin du siècle dernier, la nécessité de rompre avec la tradition académique
a conduit les artistes à s'intéresser à d'autres cultures. Le primitivisme a été
l'une des réponses à cette recherche d'altérité. Mais certaines expressions
paraissaient aussi ouvrir des perspectives nouvelles : l'art populaire, les dessins
d'enfants, «l'art des fous», l'automatisme, ou encore les graffitis. Le terrain
était ainsi préparé pour la «découverte», par Jean Dubuffet, de ces oeuvres
troublantes réunies aujourd'hui sous le terme d'Art Brut. Dès la fin de la
Seconde Guerre mondiale, en effet, celui-ci s'intéresse aux travaux réalisés
par les pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, aux marginaux (autodidactes,
prisonniers, inadaptés divers), dont l'inventivité spontanée s'exprime hors de
l'«asphyxiante culture». Après deux fructueuses tournées en Suisse où il
découvre Wölfli, Aloïse et Müller, Dubuffet, soutenu par Breton et Paulhan,
fonde en 1948 la compagnie de l'Art Brut, destinée à compléter les collections
nouvellement constituées, à les exposer et à en faire l'exégèse. Après
de nombreuses péripéties, la collection de l'Art Brut trouve sa place à Lausanne
en 1976 et connaît un retentissement international.
Cet ouvrage, rigoureusement documenté, retrace l'historique de la notion
d'Art Brut, mêlée à l'histoire même de son initiateur. On trouvera en annexe
le portrait d'un grand nombre de ces artistes marginaux, peu connus du
public. Les oeuvres reproduites, venues pour l'essentiel de la collection créée
par Dubuffet, conservent intact leur pouvoir de fascination et leur liberté
subversive, au point d'avoir inspiré de nombreux artistes contemporains.
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La Renaissance dans les pays du Nord
Craig Harbison
- Flammarion
- Tout L'art
- 14 Septembre 2009
- 9782081228856
L'art des Flandres, des Pays-Bas et de l'Allemagne aux XVe et XVIe siècles comprend quelques-unes des plus belles, des plus inventives peintures et sculptures de l'histoire de l'Occident. Encore trop souvent étudié en simple comparaison avec l'art italien, plus connu, le monde du nord de l'Europe est ici enfin évoqué dans toute sa richesse, et l'art de Van Eyck, Bosch, Bruegel, Dürer ou d'autres grands maîtres est considéré dans la vision plus globale d'une société en pleine évolution. Craig Harbison part de la notion de l'artiste désormais conscient de sa place - fait nouveau et décisif -, non seulement dans l'art mais aussi dans le monde. Église et État, protestants et catholiques, hommes et femmes, artistes et mécènes, cités marchandes indépendantes et seigneuries, tous ces aspects du monde renaissant sont ensuite abordés dans la mesure où ils éclairent en même temps l'art et son temps. Les enjeux d'une représentation réaliste du monde visible, du sens et des fins de cet art, de sa place dans la sphère religieuse ou séculière - son contexte intellectuel et son contexte matériel - sont passés au crible d'une étude particulièrement érudite. Cet ouvrage offre un examen passionnant de l'état d'esprit et des facteurs culturels dans les pays du Nord qui ont produit un art à l'éclat et à la beauté si spécifiques sous la Renaissance.
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La société hollandaise du XVIIe siècle a généré une extraordinaire production artistique. Vers 1580, la toute jeune République atteint un niveau de prospérité sans précédent permettant à la peinture et à l'architecture, soutenues par la bourgeoisie, de connaître une vitalité exceptionnelle. L'auteur étudie dans cet ouvrage les foyers artistiques les plus réputés comme Amsterdam, Utrecht ou Delft . Dans le contexte politique, social et religieux qui a permis leur émergence, les peintures deVermeer, Rembrandt ou Frans Hals sont analysées au même titre que certaines oeuvres moins souvent prises en compte comme les gravures d'actualité, les dessins scientifiques ou les livres d'emblèmes. Les thèmes principaux qui ont fait la gloire des peintres hollandais - le paysage, le portrait de groupe, la scène de genre - sont soigneusement examinés et une place importante est réservée à la relation complexe entre écrit et image comme au concept délicat de « réalisme ». Grâce à la richesse des sources historiques utilisées et à une méthode rigoureuse; l'auteur dévoile la société et la culture de la Hollande du XVIIe siècle de manière aussi vivante que les tableaux qui s'en inspirent.
