D'abord peintre, Maillol se tourne vers la tapisserie et les arts décoratifs. Mal connue, cette première partie de sa carrière, au cours de laquelle il regarde Gauguin et Puvis de Chavannes et tisse des liens étroits avec les Nabis, montre un artiste désireux de retrouver les principes du décor mural.
Il découvre la sculpture vers 1895 seulement, d'abord sur bois et de petites dimensions : Octave Mirbeau et Ambroise Vollard entre autres en reconnaissent les qualités.
La Méditerranée réalisée pour le comte Kessler apparaît comme le manifeste du « retour à l'ordre », dont Maillol est un acteur majeur : proscrivant toute recherche d'expression, il instaure un nouveau classicisme et inscrit des corps féminins, à l'anatomie charpentée et sensuelle, dans des formes géométriques simples.
Maillol passe avec aisance de l'esquisse au monumental, dans des allers-retours continuels. L'imposant Monument à Cézanne invite à plonger dans son processus créateur, avant les grandes figures, aboutissement d'un parcours dans lequel la recherche d'une perfection formelle tient une place essentielle.
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Le Centre Pompidou inaugure une exposition sur l'artiste Charles Ray en février 2022.
Cet événement exceptionnel aura son parallèle, à la même période, à la Bourse de Commerce - Pinault Collection, où sera également proposée une exposition de l'artiste. Conçues en étroite collaboration, ces deux expositions offriront des lectures complémentaires de l'oeuvre de Charles Ray, de ses débuts à aujourd'hui.
Américain né en 1953, Charles Ray bouleverse les canons de la sculpture. Son oeuvre singulière a fortement contribué à redéfinir les contours de la figuration plastique.

Le passage d'Alberto Giacometti dans le groupe surréaliste d'André Breton dure à peine cinq ans, pendant lesquels il s'affirme comme l'un des artistes les plus innovants du mouvement. Ses recherches plastiques engagées autour de l'érotisme, du jeu, de l'onirisme et du hasard objectif, ainsi que ses écrits publiés dans les revues du mouvement surréaliste, le distinguent parmi les membres les plus actifs. Si l'aventure surréaliste s'arrête pour Giacometti en 1935, son amitié pour Breton perdure de longues années et ses compagnons de l'époque resteront proches de l'artiste.
Cet ouvrage propose, à travers de nombreux documents inédits et notamment des extraits de la correspondance entre le sculpteur et l'écrivain, de resituer l'importance de la relation de deux figures majeures du XXe Siècle.

Alberto Giacometti n'est pas seulement un artiste majeur du XXe siècle:il est aussi l'une de ses personnalités les plus originales. Fruit de recherches nouvelles, cet ouvrage nous introduit dans l'intimité d'un artiste hanté par son oeuvre, toujours poussé en avant par une exigence sans concession.Après une jeunesse passée dans l'atelier de son père en Suisse, puis dans celui du sculpteur Antoine Bourdelle à Paris, le jeune artiste s'affranchit de ses premiers mentors en se tournant vers le cubisme, puis le surréalisme. Malgré la reconnaissance quasi-instantanée de son travail et l'amitié admirative d'André Breton, il se détourne rapidement des objets surréalistes qui l'ont rendu célèbre, pour s'engager dans une échappée solitaire qui le mènera à la marge des courants dominants.Ami des plus grands artistes et intellectuels, il trace son sillon personnel dans l'intimité solitaire de son mythique atelier de Montparnasse. Profondément attaché à la représentation humaine, influencé par les arts archaïques et non occidentaux, il s'éloigne d'une représentation naturaliste, pour adopter une vision synthétique et parfois hallucinée de la figure, chargée d'une puissance mystérieuse.Catherine Grenier nous livre le destin et le parcours singulier d'Alberto Giacometti, de sa vie et de son oeuvre, dans une biographie à lire comme un roman.
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Aristide Maillol commence sa carrière comme peintre avant de se trouver une véritable passion pour la sculpture et devenir l'un des sculpteurs les plus célèbres de son temps. Son oeuvre épurée et forte qui exalte la nature et le nu a marqué le passage du XIXème au XXème siècle.
Grâce à Dina Vierny, son dernier modèle, deux musées lui sont consacrés. Le musée Maillol à Paris, et le musée Maillol de Banyuls-sur-Mer, où il est enterré. Le Jardin des Tuileries à Paris constitue le plus grand musée de plein-air pour découvrir son oeuvre.
« Il faut chercher les éléments dans la nature et en faire la synthèse. Mais il s'agit surtout de ne pas perdre l'inspiration. » Lettre à Harry Kessler, 20 novembre 1907
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« Nous refusons d'accepter l'existence des objets immobiles et les instantanés d'un mouvement, parce que nous ne sommes nous-mêmes qu'un instant dans le grand mouvement. »

Du 28 septembre 2021 au 2 janvier 2022, le Petit Palais invite Jean-Michel Othoniel à investir la totalité du Musée et son jardin. Il s'agit de la plus grande exposition personnelle de l'artiste à Paris depuis sa rétrospective « My Way » au Centre Pompidou en 2011.

Le sculpteur Johan Creten, né en 1963, est un précurseur du renouveau de la céramique dons l'art contemporain. Catalogue de la grande exposition « Bestiarium », abritée par le musée La Piscine de Roubaix. cet ouvrage bilingue explore l'animalité à l'oeuvre dons son travail. Une ménagerie humaine - politique et poétique - , peuplée d'oeuvres inédites et historiques...

Sculptor Johan Creten, born in 1963, is a pioneer in the revival of ceramics ln contemporary art. This bilingual catalogue, published in conjunction with the major exhibition Bestiarium, hosted by La Piscine museum in Roubaix, explores the animality in his art. Creten's bestiary is a poetic and political human menagerie of new and past works...

Avec les contributions de / With contributions by :
Laurence Bertrand Dorléac, Guillaume Cassegrain, Barbara De Coninck, Anne Dressen, Fabrice Hergott, Colin Lemoine, Chiara Parisi, Joël Rift.
Photographies de / Photographs by Gerrit Schreurs.
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Il a été un peu le mal aimé des musées, oublié depuis 1961, cantonné à sa petite fondation du VIIe arrondissement parisien qu'avait créé la fidèle Dina Vierny. Maillol le classique est de retour pour une juste remise en perspective. D'abord peintre et passionné de décor, notamment de tapisserie, proche des Nabis et de Rodin, le sculpteur fut l'un des chantres du « retour à l'ordre » sa sculpture puisent ses sources dans la culture antique, réinterprétée tout en rondeur et suavité. Dans une perpétuelle quête de la perfection.
Beaux Arts Éditions revient sur le rôle crucial qu'Aristide Maillol à joué dans la naissance de la modernité au début du XXe siècle, sur l'ensemble de sa carrière en mettant l'accent sur la période féconde et méconnue de l'avant-première guerre mondiale. L'album révèle une nouvelle vision de son processus créatif, notamment grâce à la découverte de dessins et carnets de croquis inédits. Lire la suite Fermer

Après une exposition inaugurale, intitulée sobrement « Ouverture », la Bourse de Commerce continue sa programmation en présentant les artistes phares de la collection Pinault. Ce nouveau rendez-vous sera consacré au sculpteur américain Charles Ray (né en 1953), qui présentera quelques-unes de ses oeuvres emblématiques et certaines spécialement conçues pour le lieu.
Charles Ray commence sa carrière, dans les années 1980, avec l'art abstrait, puis introduit la figure humaine dans son travail, en mettant toujours au centre de sa recherche la question de l'espace. « La pratique artistique de Ray offre au spectateur une nouvelle expérience du rapport avec le réel et exprime l'intuition fondamentale que la réalité est bien différente de la manière dont nous la percevons, et bien plus complexe. » Beaux Arts Éditions consacrera la première partie de son édition à l'architecture du bâtiment ainsi qu'à sa restauration extraordinaire par Tadao Ando, et la seconde partie à l'artiste majeure qu'est Charles Ray en venant apporter un éclairage sur les oeuvres exposées à la faveur de ce nouvel accrochage à la Bourse de Commerce.
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En racontant l'histoire de la sculpture depuis les premiers kouroï grecs jusqu'à Brancusi, l'auteur non seulement décrit la constitution matérielle des oeuvres, leur état physique, mais s'attache aussi au point de vue de l'esthétique. Wittkower nous indique pourquoi l'artiste choisit tel matériau, tel instrument, tel type de jointoiement ou de report, et en quoi ces procédures conditionnent à leur tour sa visée artistique.
Quel était l'avantage de la rapidité de modelage du Bernin pour ses célèbres modèles (ses bozzetti) ? Et pourquoi Canova lissait-il ses marbres ? Que montre le creusement des pupilles ? Quand s'autorise-t-on à fabriquer des oeuvres en combinant plusieurs blocs ?
Quels sont les effets d'un trépan, qui vrille et creuse la pierre (Michel-Ange n'en voulait pas), ou d'une gradine, qui la laboure (c'était son instrument favori) ? En quoi les pantographes et autres appareils de transfert ont-ils déplacé l'intérêt du sculpteur en deçà du marbre vers la maquette originelle en plâtre ?
Pour répondre à ces questions, Wittkower examine tour à tour 192 sculptures célèbres, permettant au lecteur d'accéder à la compréhension des oeuvres elles-mêmes et de ce qui a été un moteur pour leurs auteurs.
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L'oeuvre de la sculptrice argentine Alicia Rosario Pérez Penalba (1913-1982), a pris son essor à Paris dans les années 1950. Son parcours dans ces années, et les amitiés qu'elle a nouées dans les milieux artistiques et intellectuels (Wilfredo Lam, Henri Matisse, Alberto Giacometti...) ont été décisifs pour la construction d'une voie singulière dans la sculpture abstraite d'aprèsguerre.
Retracer son parcours dans le Paris d'aprèsguerre permet de réintroduire une oeuvre importante qui est encore trop peu reconnue. Les archives de l'artiste nouvellement rendues publiques ont nourries cette étude.

L'institut Giacometti donne carte blanche ?
Douglas Gordon pour imaginer une installation inédite d'oeuvres spécifiquement conçues pour l'occasion, associées ? des sculptures et dessins d'Alberto Giacometti. Douglas Gordon s'est plongé dans la bibliothèque de Giacometti, recoupant de possibles sources de références communes et pointant l'influence de la littérature dans leurs productions respectives.

« Ce qui l'obsède c'est ce qui se produit quand un être humain est vu par un autre être humain qui a l'obsession de représenter ce qu'il voit. » C'est en ces termes que David Sylvester résume l'obsession de Giacometti. Or, à la lecture de cette étude, ou de cette succession d'études écrite et peu à peu augmentée entre les années 1950 et 1990, on en vient à se demander comment nous pourrions résumer la sienne. En termes semblables, peut-être ? Dans sa préface de traducteur datant de la première parution chez André Dimanche Éditeur en 2001, Jean Frémon en a l'intuition : « On pourra y trouver des redites, une manière très particulière de tourner autour de la question, un excès de méticulosité dans l'analyse. En réalité, une méthode qui est exactement celle de Giacometti lui-même, sculptant ou dessinant, constamment taraudé par le sentiment de l'échec et obsédé par la justesse du regard. »
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Barbara Chase-Riboud est sculptrice, poétesse et romancière franco-américaine. Elle vit à Paris. Elle rencontre Alberto Giacometti au tout début des années 1960. Tous deux ont tracé, au l des décennies, des parcours de sculpteurs différents - d'homme et de femme artiste aussi. Leur dialogue repose sur des points de contact : le travail de la matière et du bronze, la passion pour l'Egypte ancienne, l'écriture.
Cette confrontation entre Giacometti, que l'on croit "épuré" et classique, et Chase-Riboud, "matérielle" et baroque, révèle également une commune attention passionnée à la représentation du corps. Cette exposition, première en France de Barbara Chase-Riboud depuis 1974, nous livre le regard d'une artiste sur l'oeuvre d'Alberto Giacometti avec laquelle elle entre en sympathie. Barbara Chase-Riboud is a French-American sculptor, poet and novelist.
She lives in Paris. She met Alberto Giacometti in the ? early 1960s. Throughout the decades, both artists have traced different paths as sculptors - as man and woman artists too. Their dialogue rests on points of contact : the work on matter and bronze, a passion for Ancient Egypt and writing. This confrontation between Giacometti, whom one considers as "streamlined" and classical, and Chase-Riboud, "tangible" and baroque, also reveals a shared passionate attention to the representation of the body.
This exhibition, the rst in France for Barbara Chase-Riboud since 1974, offers us the gaze of a woman artist on the oeuvre of Alberto Giacometti with whom she is in sympathy.
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En confrontant les sculptures d'A. Giacometti à une sélection d'oeuvres issues des collections égyptologiques du Louvre et aux dessins inédits conservés par la Fondation Giacometti, ce catalogue propose un regard renouvelé sur le travail du sculpteur, qui a toujours entretenu une relation étroite avec l'art égyptien de l'Antiquité, produisant nombre de copies de statuettes et de bas-reliefs.

Parmi les amitiés littéraires d'Alberto Giacometti (1901-1966), celle qui le lie a` Samuel Beckett (1906-1989) n'est pas la plus connue, mais c'est l'une des plus durables. Elle remonte a` 1937 et se développe dans l'après-guerre. Les deux artistes aiment se retrouver dans les soirées sans fin des cafés de Montparnasse, puis arpenter Paris la nuit. De profondes parentés rapprochent leurs oeuvres plastiques et théâtrales, à la croisée de l'Existentialisme, qui s'expriment dans une collaboration exceptionnelle en 1961 : la réalisation par Giacometti d'un décor pour une mise en scène de la pièce En attendant Godot.

« Voilà ce à quoi il faut s'attendre quand on se laisse couillonner à écrire sur la peinture. » Samuel Beckett «That's what one should expect when one let oneself be duped into writing on painting.» Samuel Beckett
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L'oeuvre de Richard Texier ne cesse d'interroger les mystères de l'univers. Malgré l'apparente modestie utilitaire des objets de bronze présentés ici - chandelier, lampadaire, coupe, guéridon, plateau... -, l'exploration des riches possibilités d'un art du quotidien relève d'une aussi haute ambition que celle affirmée par les grands tableaux ou les sculptures monumentales. L'artiste semble puiser son matériau dans la glaise originelle des marais où il a grandi, donnant aux objets des formes poétiques surgies de l'enfance et des rêves. L'univers de Richard Texier, peuplé d'arbres et d'animaux légendaires, offre la vision d'un monde dans lequel la nature aurait retrouvé sa puissance cosmique. C'est ce qui permet à Michel Onfray, dans un texte d'ouverture particulièrement pénétrant, de définir la mythologie quantique de Richard Texier.Ce livre est le prolongement de l'exposition Richard Texier, Lumière qui s'est tenue à la Galerie Downtown, à Paris, en décembre 2019.65 oeuvres en bronze reproduites - à la fois objets usuels et objets d'art.
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Les guides des Arts deviennent les guides Hazan !

Que voit-on ? Comment se sont élaborés les différents types de sculpture ? Comment voit-on ? Comment s'exprime le sculpteur ? À quoi sert la sculpture ? Où contempler des oeuvres sculptées? Qu'en a-t-on dit ? L'objectif de ce livre n'est pas de proposer une histoire générale de la sculpture, mais de fournir plutôt au lecteur étudiant, amateur, curieux, érudit  des clés pour améliorer son regard et sa compréhension des oeuvres, en acceptant le défi d'embrasser un millénaire de sculpture dans la sphère culturelle occidentale.
Art de l'espace, art du temps, à l'instar de la musique, la sculpture est un objet d'étude qui se laisse difficilement saisir. Il faut en faire le tour, multiplier les points de vue, se déplacer, être capable d'envisager une combinatoire extrêmement complexe de qualités formelles, traverser mille ans d'histoire et de styles.
Huit chapitres proposent autant de chemins pour regarder la sculpture : par les lieux, les techniques, les formes, les conditions de présentation et de perception, les thèmes et les sujets, les styles dans leurs constantes récurrentes, les usages et les fonctions, et enfin les textes interprétatifs, littéraires ou poétiques.
Cet ouvrage invite à redécouvrir le « rôle divin de la sculpture », comme l'écrivait Baudelaire dans son Salon de 1859, grâce à la maîtrise des outils pédagogiques essentiels.
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Wang Keping est un artiste considéré aujourd'hui comme historique, membrefondateur du premier mouvement d'avantgarde chinois, The Stars Art Group en 1979, Arrivé en France en 1984, lui qui fit ses débuts à Pekin comme scénariste et écrivain, se consacra exclusivement à la sculpture et fut bientôt surnommé le « maître du bois » en raison de sa prédilection pour ce medium, recevant l'influence de Brancusi et Zadkine et s'inscrivant dans la lignée des grands artistes chinois installés en France, Zao Wou-Ki et Gao Xingjang. Cet ouvrage souhaite mettre en lumière le travail de la maturité de l'artiste, qui ces dernières années a orienté sa démarche vers la création de sculptures monumentales, qu'elles soient d'essence de bois ou de bronze,

Maillol (1861-1939) est mondialement connu pour ses grandes sculptures de l'Ile-de-France (années 1910), de l'Hommage à Cézanne (années 1920) ou de L'Air (années 1930). Pourtant, cet ouvrage va les passer sous silence et se concentrer sur les débuts de Maillol sculpteur, à la toute fi n du XIXe siècle et à l'aube du XXe siècle.
À cette période, Maillol quitte progressivement la peinture et la tapisserie pour se tourner vers la sculpture, en créant des statuettes taillées dans le bois, puis modelées en terre. Pour son entrée dans le monde de la sculpture, Maillol va trouver deux alliés indéfectibles :
Le marchand Ambroise Vollard et le fondeur Florentin Godard.
Le galeriste Ambroise Vollard expose les Nabis et Van Gogh. En 1900, il prend Gauguin sous contrat ; en 1901, il expose des peintures de Picasso et à l'été 1902, il « lance » Maillol avec une exposition monographique de trente-trois oeuvres. Dès leur rencontre vers 1900, il avait encouragé Maillol à diffuser ses sculptures, qui sont alors encore de petit ou de moyen format. Grâce au succès remporté par l'exposition, les deux hommes s'accordent pour que le marchand devienne l'éditeur de certaines sculptures de l'artiste permettant à Maillol d'être remarquablement diffusé dans nombre de collections européennes et américaines aujourd'hui célèbres.
Les bronzes de Maillol vont être fondus dès 1907 par un artisan encore inconnu, Florentin Godard, qui dès 1909 devient le fondeur exclusif d'Ambroise Vollard. Il utilise la fonte au sable et ses compétences techniques font qu'il honorera des commandes des sculpteurs Joseph Bernard, Constantin Brancusi, Jane Poupelet... ou du marchand Daniel-Henri Kahnweiler, pour l'oeuvre de Manolo entre autres. Il reste très discret, ne mettant presque jamais sa marque de fondeur C'est la première fois qu'un livre traite des débuts de Maillol en tant que sculpteur, en mettant en avant les deux hommes qui lui ont permis de diffuser son oeuvre.
Ursel Berger détaille les liens qui unissent Maillol, Vollard et Godard dans les premières années du XXe siècle et Élisabeth Lebon livre une étude originale sur Florentin Godard, sur sa vie, ses méthodes de travail et ses relations avec Maillol. L'ouvrage présente ensuite une quinzaine de sculptures de l'artiste éditées par Ambroise Vollard et fondues par Florentin Godard. Les annexes comprennent un catalogue des sculptures de Maillol éditées par Vollard et des compléments d'information sur les autres fonderies utilisées pour ses éditions de bronzes, Maucuit (ancienne maison Kreber) et Bingen & Costenoble.
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