Scheidegger

  • Après un premier volet en 2016 consacré aux chefs-d'oeuvre dessinés des collections, le Cabinet cantonal des estampes au musée Jenisch à Vevey (Suisse) dévoile ses pièces maîtresses, signées Dürer, Goltzius, Callot, Rembrandt, Castiglione, van Ostade, Edelinck, Tiepolo, Canaletto, Goya, Corot, Bresdin, Carrière, Bonnard, Vuillard, Picasso, van Velde, Yersin, Lichtenstein, Raetz et bien d'autres. Articulée selon les techniques de l'estampe, la présentation des plus belles feuilles conservées à Vevey revisite d'une manière subjective l'histoire de cette technique de gravure.

  • Institution dédiée aux oeuvres sur papier, le Musée Jenisch de Vevey propose ce traité en français des techniques du dessin, avec des artistes tels que Jean-Baptiste Camille Corot, Max Ernst, Ferdinand Hodler, Guerchin, Jean-François Millet, Louis Soutter et Félix Vallotton. Classé par technique, il invite le lecteur à revisiter les oeuvres de grands maîtres dans leur matérialité.

  • Ce livre en français présente un dialogue entre le célèbre architecte Peter Zumthor et l'historienne de l'architecture Mari Lending, qui porte sur la signification du temps, de l'espace, de l'Histoire et du souvenir dans le contexte du paysage et de l'architecture, entre présent et passé. Il est accompagné d'une sélection de photographies de Hélène Binet, qui appuie ce propos en s'inspirant des abords de l'Acropole à Athènes.

  • Aenne Biermann (1898-1933) was one of the leading figures of photography in the 1920s and 1930s. Today, she is considered one of the most important avant-garde photographers of the 20th century. In just a few years of practice, the self-taught artist became a well-known representative of German photography, participating in almost all the important exhibitions of her time. She captured plants, objects, people, and everyday situations in pictures that have to this day lost none of their allure and poignancy. By means of clear structures, precise compositions of light and contrast, as well as narrow framing, she drew a special kind of poetry out of the motifs of her personal environment and developed her own, distinctly modern pictorial style.

    This is the first substantial new book in English on this exceptional artist since the 1930s, published to coincide with a major exhibition at the Tel Aviv Museum of Art in fall 2021. The large-format volume features some 100 of Aenne Biermann's photographs in colour and duotone reproduction, several of them published here for the first time ever. This impressive selection is complemented by essays on Biremann's photography in art-historical context and on selected aspects of her oeuvre.

    Text in English and Hebrew.

    An exhibition featuring the work of Aenne Biermann is taking place at the Tel Aviv Museum of Art from 5 August 2021.

  • Max Bill (1908-1994), a key figure of modernism in his native Switzerland and internationally, was a true renaissance man. Equally accomplished as a painter, sculptor, graphic and product designer, and architect, he was also an eminent theorist and educator, curator, and prolific publicist. Moreover, he engaged in Swiss politics and was an activist both in Switzerland and abroad. Throughout his career he connected with fellow artists and other leading figures of modernism, maintaining a lifelong and worldwide artistic and political dialogue.

    This book, published in conjunction with a major exhibition at Zentrum Paul Klee in Bern, Switzerland, takes a fresh look both at Bill's remarkable achievements across his diverse fields of creative activity and at his international network, highlighting his contribution to art and society as a whole. Max Bill Global features some 120 of Bill's own works in all disciplines and a selection of his designed products that went into industrial production, as well as work by some of his artist friends. It also includes topical essays investigating Bill's interaction and networking with fellow artists in Dessau, Paris, Zurich, São Paulo, Buenos Aires, and New York.

  • Ce catalogue en français accompagne une exposition consacrée à la sculpture de Matisse. D'abord présentée à Zurich puis au musée Matisse à Nice au printemps 2020, cette rétrospective est axée sur la méthode qu'utilisait Matisse pour réaliser presque toutes ses sculptures les plus importantes : il commençait par un modelage d'aspect naturaliste pour abstraire de plus en plus ses figures jusqu'à une stylisation radicale. Mais il conservait les états décisifs comme sculptures autonomes, dévoilant ainsi les étapes du processus de création. Les différentes sources d'inspiration de Matisse - nus photographiques, modèles antiques et africains - ainsi que des photographies montrant l'artiste travaillant la sculpture complètent cette étude.

  • Le photographe Tomas Wüthrich a grandi dans une ferme à Kerzers, dans le canton de Fribourg. Lorsque la ferme a cessé d'être exploitée, il a immortalisé avec son appareil les douze derniers mois de labeur quotidien de ses parents et toute la phase d'arrêt de la ferme : signature du contrat avec le nouveau gérant, enlèvement des vaches, dernier grand nettoyage dans la grange vide. Ces images témoignent d'une proximité que l'on ne voit que rarement ainsi. Ce sont des photographies en noir et blanc qui montrent un destin individuel représentatif de l'extinction collective des zones rurales et des bouleversements qui chamboulent l'agriculture suisse depuis de nombreuses années. 73 photographies ont été ici minutieusement sélectionnées et agencées. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, inscrit historiquement cette série dans le domaine de la photographie rurale. Le journaliste Balz Theus quant à lui éclaire les changements structurels dans l'agriculture et donne un aperçu intime de la vie des parents de Wüthrich à travers des extraits de leur entretien.

  • Cet ouvrage bilingue anglais-allemand se concentre sur une oeuvre des débuts de Sophie Taeuber-Arp, en 1931. Par cette toile, elle s'affirme en tant que peintre à part entière à côtés de ses activités liées aux arts décoratifs.

  • Une monographie consacrée à l'artiste américaine Kiki Smith. Méditant sur le corps humain, sa physicalité et sa matérialité, elle construit des oeuvres fragiles, sur papier, qui rappellent la peau humaine. En plus de ces gravures et oeuvres sur papier, elle développe et crée des sculptures aux résonances féministes qui explorent la fragilité des corps et investissent un monde plein d'étrangetés. Présentant toute la diversité de son oeuvre, cette monographie traite de la dimension sensuelle des travaux de l'artiste, en même temps qu'elle présente ses oeuvres de jeunesse et l'évolution de ses démarches philosophiques.

  • Hodler parallelisme

    Collectif

    Le Kunstmuseum de Berne et les Musées d'art et d'histoire de Genève unissent leurs collections à celles de prêteurs privés et proposent une exposition qui permet d'embrasser la carrière de Hodler et d'établir les liens qu'il nouait entre ses tableaux. L'exposition s'appuie sur une conférence de l'artiste donnée à Fribourg en 1897, « La mission de l'artiste », qui exposait les grands principes de son travail. Il y définissait la notion de parallélisme, dégagée de ses études de la nature et des hommes. Le catalogue de cette exposition montre les correspondances qu'il établit à l'intérieur de son oeuvre, mais aussi entre les tableaux eux-mêmes : parallélisme des compositions, mais également des sentiments qui se répondent d'une toile à une autre.

  • Formée à l'Ecole des Arts appliqués de Hambourg, l'artiste suisse Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) participa avec son mari Jean Arp à divers mouvements d'avant-garde comme le dadaïsme et l'art concret. Cette très belle monographie s'intéresse à l'ensemble de son oeuvre qui, marquée par la géométrie et le rythme, embrasse toutes les disciplines, de la peinture à la sculpture en passant par la création de meubles et d'objets jusqu'aux travaux textiles.

  • En 1918, un groupe de collectionneurs dévoués fonde la Société Graphique Suisse, avec pour objectif la promotion de l'estampe contemporaine à travers de nouvelles commandes. Dès le début, la Société a prescrit que les oeuvres achetées ne pouvaient être vendues, persuadant ainsi d'importants artistes, y compris des artistes internationaux, de concevoir des oeuvres indépendamment des contraintes du marché et d'expérimenter librement. En un siècle, la SGG a publié près de 400 ouvrages, dont des oeuvres d'Otto Meyer-Amden, Cuno Amiet, Meret Oppenheim, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Alberto Giacometti, Silvia Bächli, John M. Armleder, Markus Raetz, Georg Baselitz et bien d'autres. Cette publication reproduit et décrit l'intégralité des oeuvres éditées par la Société.

  • L'art créé dans le cadre des institutions psychiatriques connaît un intérêt sans précédent, nous faisant considérer d'un nouvel oeil cet « art des fous », d'une part comme une forme d'art à part entière et d'autre part comme une ouverture vers une meilleure compréhension de ses maladies. Ce livre est l'aboutissement d'un projet mené par l'Université des Arts de Zurich qui documente la production artistique des asiles et hôpitaux psychiatriques à travers la Suisse au tournant du XXe siècle. On y découvre des oeuvres extrêmement variées, réalisées avec passion et détermination, tout en faisant preuve de techniques artistiques innovantes. Ces oeuvres défient notre compréhension et notre vision de la maladie mentale en définissant de nouveaux contours à ce que nous considérons comme art.

  • Anglais Soviet design

    Krasnyanskaya Kristi

    Contrairement à l'architecture et au design graphique de l'époque soviétique, le design d'intérieur de cette période n'a pas été étudié de manière approfondie. Pour la première fois, ce livre propose un aperçu complet de la décoration intérieure soviétique, du constructivisme et de l'avant-garde révolutionnaire au modernisme tardif. Basées sur des recherches approfondies et sur des archives auparavant inaccessibles, Kristina Krasnyanskaya et Alexander Semenov documentent sept décennies de design d'intérieur en Union soviétique, des années 1920 aux années 1990. Avec quelque quatre cents illustrations et de nombreux documents inédits, cet ouvrage se veut une véritable référence sur le sujet.

  • Quatre volumes complets et richement illustrés qui présentent l'histoire du graphisme en Suisse et aborde pour la première fois les réseaux, les pratiques des différentes écoles et les supports de ces design. Contenant des archives, des projets, et des réalisations, l'ensemble s'accompagne également d'interview de quelques grands noms du design Suisse.

  • Réédition d'un ouvrage paru en 2008 et épuisé. L'artiste suisse Max Bill fut l'un des plus importants représentants de l'art concret et une figure-clé des arts appliqués et de l'histoire de l'art en Europe. Par ses professeurs Paul Klee,Vassily Kandinsky ou Walter Gropius, il acquiert une vision globale de l'art qui le pousse vers des pratiques aussi diverses que la peinture, la sculpture et le design au début de sa carrière dans les années 1930. Fondateur de l'École supérieure de Design d'Ulm où il enseigne, Max Bill perpétue dans son oeuvre l'héritage du Bauhaus, aussi bien en tant qu'artiste que professeur.

  • Love, Fight, Feast présente une centaine de peintures, gravures sur bois, livres illustrés, mais aussi des objets en laque et en métal, de la porcelaine et des textiles du XIIIe au XXe siècle, accompagnés par des essais d'experts sur divers aspects de l'art narratif japonais. Publié conjointement avec une exposition au célèbre musée Rietberg de Zurich, le livre offre une étude unique du monde multiforme, coloré et imaginatif de l'art narratif japonais à travers huit siècles.

  • Un aperçu global des quelque 600 oeuvres sur papier de Ferdinand Hodler données par le collectionneur Rudolf Schindler au Musée Jenisch de Vevey. Du rapide croquis à l'étude d'après modèle, l'ensemble permet d'appréhender les processus créatifs de l'artiste et témoigne du rôle capital que le dessin joue dans son art.

  • À la fin du XIXe siècle, les illustrateurs se prennent d'un fol engouement pour la couleur dans la lithographie. C'est le début d'un renouveau du genre qui va transformer la production graphique au tournant du siècle. Ce catalogue en français accompagnant une exposition au musée Jenisch de Vevey présente plus de 200 illustrations liées à l'estampe française en couleur, retraçant ainsi son évolution, ses sources et ses enjeux, avec notamment Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Édouard Vuillard, and Henri de Toulouse-Lautrec et de nombreux impressionnistes.

  • Situé au bord du lac de Zurich, le pavillon d'exposition de Le Corbusier est son dernier projet réalisé. Basé sur son système proportionnel Modulor et à l'échelle d'une maison unifamiliale, il démontre le potentiel des éléments préfabriqués pour former un espace parfait pour l'art et le design. Les architectes Silvio Schmed et Arthur Rüegg ont soigneusement restauré le Pavillon Le Corbusier dans son état d'origine, y compris la reconstruction de meubles et de luminaires manquants. Ce livre documente leurs recherches et le bâtiment restauré, présentant des photographies et des documents historiques inédits, ainsi que des images récemment commandées par Georg Aerni. Avec une préface de Wiebke Rösler Häfliger et des contributions d'Arthur Rüegg & Silvio Schmed et de Roger Strub.

  • Plâtre, plasticine, marbre et bois : un nouvel éclairage sur les sculptures de Giacometti et son approche de la matière. En plus de 200 illustrations, ce catalogue présente des oeuvres encore peu connues quoique très importantes, notamment 75 plâtres donnés par sa famille à la KunstHaus de Zürich.

  • Artiste de renommée internationale, célèbre pour ses films et ses installations, UIla von Brandenburg pratique intensément le dessin. Ce livre constitue la première monographie sur ce pan moins connu et néanmoins fondateur de son travail.

  • Henry Brandt : cinéma et photographie Nouv.

    Figure majeure du cinéma suisse des années 1950 à 1980, Henry Brandt (1921-1998) a révélé avec clairvoyance les problèmes qui règnent en Suisse et dans le monde. Son installation audiovisuelle «La Suisse s'interroge» à l'Exposition nationale de 1964 a marqué toute une génération. A l'occasion du centenaire de sa naissance, son oeuvre cinématographique et photographique est mise en lumière à travers une série d'événements en Suisse pour que le travail de ce pionnier puisse être enfin redécouvert et que son oeuvre retrouve sa place dans le cinéma suisse.

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