Une immersion fascinante dans l'atelier du peintre Pierre Soulages.
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Comment travaille Pierre Soulages de Roger Vailland, propose une immersion fascinante dans l'atelier du peintre Pierre Soulages. Ce texte est bien plus qu'un simple reportage sur l'éxécution d'un tableau ; il constitue une réflexion sur la création artistique elle-même, l'art abstrait, et les enjeux philosophiques de la peinture.
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Le Procès de Pierre Soulages, l'écrivain défend avec brio le peintre face aux questions posées dans un magazine estudiantin : " Pour ou contre Pierre Soulages, peintre abstrait ? Participe-t-il à notre époque ou se réfugie-t-il dans les hautes sphères spéculatives ? Peinture d'initiés ou aventure poétique ? ".
La Loi (Prix Goncourt 1957)
Le cinquième et dernier volume du catalogue raisonné de l'oeuvre peint de Soulages réunit cent quatre-vingt-quinze oeuvres réalisées entre le 31 mai 2013 et le 22 mai 2022, qui témoignent de la vitalité et de la créativité qui ont animé l'artiste jusqu'à la fin de sa vie, d'une longévité exceptionnelle. Ce volume, qui comprend également une biographie illustrée, a été réalisé sous le contrôle de Colette Soulages, veuve de l'artiste, qui en signe la préface, et sous la direction de Camille Morando et d'Alfred Pacquement, qui prennent la suite de Pierre Encrevé, auteur des quatre premiers volumes, disparu en 2019. Cet ouvrage présente la dernière décennie de la création de l'un des plus grands artistes contemporains français, qui s'est éteint en 2022, à l'âge de 102 ans. Les volumes I (1946-1959), II (1959-1978), III (1979-1997) ont été publiés respectivement en 1994, 1996 et 1998 aux éditions du Seuil. Le volume IV (1997-2013) a été publié en 2015 aux éditions Gallimard.
La peinture de Robert Ryman (1930-2019) explore des notions simples - surface, limite, espace, lumière, durée - pour en révéler les potentialités plastiques. Cinq ans après sa mort, le musée de l'Orangerie lui rend hommage dans une importante rétrospective.
Pierre Soulages, le maître de l'"outrenoir", aura 100 ans le 24 décembre 2019. À cette occasion, le musée du Louvre lui rend hommage par une exposition personnelle présentée dans le prestigieux Salon Carré, situé entre la galerie d'Apollon et la Grande galerie, lieu très cher à l'artiste et point de passage incontournable pour les visiteurs du musée.
Compte tenu de la longévité singulière de sa carrière, l'idée s'est imposée aux commissaires de l'exposition désignés par la direction du musée, le regretté Pierre Encrevé et Alfred Pacquement, d'une sorte de mini-rétrospective présentant au public des oeuvres majeures des plus grands musées français et étrangers, de chacune de ses sept décennies. Il s'agit en effet de montrer à la fois la continuité d'une oeuvre toute entière élaborée à l'intérieur de la même conception d'une abstraction totale et la rupture intervenue à mi-chemin, en 1979, qui donne naissance à une peinture neuve, pour laquelle Soulages a proposé le néologisme d'"outrenoir". Les oeuvres emblématique sont présentées chronologiquement, commençant par quelques peintures au brou de noix sur papier et sur toile des années 1940 puis des toiles importantes des décennies suivantes, mais elle insistera davantage sur les oeuvres « outrenoires » souvent caractérisées par un agrandissement des formats et le recours aux polyptyques. Le parcours se termine par des oeuvres inédites réalisés par l'artiste pour célébrer cette exposition-événement.
Jean-Marc Bustamante représente la France à la 50? Biennale de Venise en 2003. Un livre consacré à l'ensemble de son travail paraît à cette occasion aux Éditions Gallimard. Celui-ci s'ouvre en 1978 par une série de paysages photographiques intitulés «Tableaux» - zones périurbaines, chantiers de construction, sites en cours d'aménagement - dont Bustamante tirera pour une part les motifs et les matériaux de son oeuvre à venir, élargie toujours plus au-delà du champ de la photographie. La sculpture, le dessin, l'architecture, entre autres médiums, seront ainsi explorés. Les auteurs de cet ouvrage s'attachent à analyser en détail les ramifications de cette production artistique aussi complexe que variée, caractérisée cependant par le souvenir omniprésent du modèle photographique et par un fréquent souci du rapport à la tradition picturale moderne. On verra également comment l'oeuvre de Bustamante s'inscrit en regard de celle de certains de ses prédécesseurs (les minimalistes, par exemple) ou contemporains, et comment elle puise à un fonds tout personnel d'images trouvées qui valent pour lui comme autant de sources et ressources.
Dans les Landes, entre Bayonne et Peyrehorade, au bord de l'Adour, Jeannette Leroy, photographe, et Paul Haim, marchand d'art, créent dans les années 1970 un jardin de sculptures autour d'une modeste ferme, La Petite Escalère.
Avec l'aide du fidèle jardinier Gilbert Carty, au milieu de canaux, ponts, traverses de chemin de fer, arbres et fleurs, ils installent une cinquantaine d'oeuvres, souvent monumentales, d'artistes, tels Rodin, Maillol, Niki de Saint Phalle, Zao Wou-Ki, Françoise Lacampagne, Cárdenas, Mark Di Suvero, Léger, Matta, Zigor... Paul installait les sculptures et, pour les faire disparaître dans la nature, Jeannette plantait un arbuste, des rosiers, des dahlias, un chêne, un érable, un ginkgo, un noyer du Caucase... « Je ne veux pas que ce jardin devienne n'importe quoi ! », disait-elle.
Personne mieux que Paul Haim n'a évoqué la beauté envoutante de La Petite Escalère : « Le visiteur nonchalant passera de l'ombrage des barthes à la clarté du Moura, de la fraîcheur des fontaines à la touffeur de la forêt. Au détour d'un buisson, il se laissera surprendre par une présence insolite. Immuable. [...] Loin du monde effervescent, n'être plus rien, regarder courir les nuages, contempler les lieux du bonheur. »
Le catalogue Soulages est aujourd'hui considéré comme la référence éditoriale autour du travail de l'artiste. Présentant un portfolio des photographies de Vincent Cunillère durant l'accrochage de l'exposition ainsi que l'ensemble des différents textes issus du colloque Soulages (notamment celui d'Alain Badiou), cette version « augmentée » représente un témoignage exceptionnel de l'exposition « événement » 2009 et rend compte de l'investissement de l'artiste pour la manifestation. Donnant à des auteurs prestigieux et internationalement reconnus comme Hans Belting, Yve-Alain Bois, Serge Guilbaut ou Hans-Ulrich Obrist, ainsi qu'à une pléiade de jeunes historiens d'art français l'occasion d'études inédites sur différents aspects du travail de l'artiste le catalogue reste un ouvrage incontournable.
Le Xe siècle aura sans doute été l'une des périodes les plus fécondes dans tous les champs de la création.
Le Musée national d'art moderne présente au public I'une des plus extraordinaires collections au monde dans tous les domaines artistiques : peinture, sculpture, architecture, design, photographie, cinéma... Ce livre présente une sélection incontournable de ses oeuvres les plus emblématiques. Des chefs-d'oeuvre qui permettent de retrouver pour notre plus grand bonheur les figures majeures du siècle et de mieux comprendre les bouleversements des idées qui ont présidé à la naissance des mouvements essentiels de l'histoire récente des arts.
" Fils monstrueux de Mondrian et Picabia, j'ai développé depuis 1952 tout un programme de systèmes aussi rigoureux qu'absurdes, utilisant les figures les plus simples de la géométrie (droites, angles, plans...) avec des matériaux les plus divers (toiles, grillages, néons, acier, adhésifs, branches...) sur toutes sortes de supports (toiles, murs, statues, architectures, "paysages"...).
" François Morellet
Des premières avant-gardes du XXe siècle aux créations les plus récentes, la photographie est passée du statut de simple moyen de reproduction technique à celui d'une discipline artistique à part entière. Présentant cent chefs-d'oeuvre de la collection du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou, cet ouvrage rend compte de l'esprit délibérément expérimental qui a guidé la constitution d'un ensemble unique au monde, des réalisations de photographes aujourd'hui célèbres (de Arbus, Brassaï, Cartier-Bresson, Doisneau, kertész et Man Ray à Paul Strand ou Gursky) à celles de figures artistiques majeures (Brancusi, Duchamp, Magritte, Moholy-Nagy, Rodtchenko ou Boltanski). En soulignant une certaine pluralité des usages, cette sélection donne un aperçu riche et diversifié d'une histoire de la photographie moderne et contemporaine, de la Nouvelle Objectivité à la photographie plasticienne actuelle, en passant par les pratiques conceptuelles et documentaires ou les recherches numériques.
Pour son projet de la Salpêtrière, Ponomarev place le spectateur au centre de la rotonde de la chapelle qui tournant sur elle-même prend conscience de l'espace. Par la magie du périscope, il atteint le dôme et traverse le lanternon, bout de l'immense verticale, en contemplant la ville au-delà des murs du bâtiment.
Ponomarev conquiert un territoire mental et l'offre aux visiteurs de la chapelle, aux travailleurs de l'hôpital et aux malades auxquels sont transmises ces mêmes images par la magie de la technique.
Editions du Regard
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6 livres sous bandeaux
Dans la lignée des expositions d'art contemporain que le château de Versailles organise depuis 2008, cette nouvelle exposition de 2019, dont les commissaires sont Jean de Loisy et Alfred Pacquement, rassemblera le travail de 5 artistes photographes : Nan Goldin, Eric Poitevin, Martin Parr, Viviane Sassen et Dove Allouche. Elle se tiendra du 14 mai au 20 octobre 2019 dans le domaine de Trianon, au sein du domaine national de Versailles. Toutes les photographies présentées seront de nouvelles créations réalisées spécialement pour cet événement. Chaque artiste exposera dans un lieu distinct au sein du domaine de Trianon (Petit Trianon, Orangerie de Jussieu, Pavillon frais, Grand Trianon, etc.) et l'ensemble sera relié au travers d'un parcours allant d'un lieu à l'autre, avec l'assistance de l'architecte Hala Wardé pour la mise en espace de certains de ces lieux.
La publication sera constituée de textes et d'interviews menées par les commissaires. Concernant l'iconographie, il s'agira de la reproduction de photographies, de textes et de dessins proposés par chacun des artistes. Des images de comparaison appuieront également leurs propos. Enfin, des prises de vue des photographies des artistes dans leurs installations in situ viendront compléter l'ensemble.
Présente l'histoire de la peinture, de 1350 à nos jours, à travers une sélection de 230 chefs-d'oeuvre des collections de trois grands musées parisiens, regroupés par séquences autour d'un mot ou d'une idée (soleil et ciel, nus dans la nature, hommes d'influence, etc.), parcourant les périodes et les mouvements picturaux.
Edité à l'occasion de l'expsiitoon actuelmement en cours à la galerie Daniel Templon, ce beau livre revient sur une grande période de création du célèbre artiste Claude Viallat, aetiste phare du mouvement Supports/Surfaces.
Il contient unn entretien exceptionnel de l'artiste avec Alfred Pacquement, ancien directeur du Centre Pompidou, qui a exposé Viallat, et ami de longue date de l'artiste.
Les années 1980 marquent le temps de la reconnaissance pour Claude Viallat : après les années fondatrices de Supports/Surfaces, l'artiste s'émancipe et développe une oeuvre picturale originale qui sera exposée dès 1982 au Centre Pompidou et en 1988 au Pavillon français de la Biennale de Venise. Tout en restant fidèle au programme qu'il avait mis en place dès 1970 - s'affranchir des contraintes de composition et de représentation, désacraliser la toile libérée de son châssis - l'artiste développe une oeuvre plus nourrie, expérimentant davantage avec la couleur et les textures.
Admirateur de la peinture vénitienne, de Matisse et de Pollock, il applique des couleurs épaissies sur des oriflammes, des rideaux, des fragments de tente ou de parasols. 'J'ai quitté Supports/Surfaces et je suis plutôt dans la Peinture/Peinture' affirme l'artiste, qui, après les expérimentations et la fluidité des années 1970, se dit 'déculpabilisé' dans son rapport au support.
'On a salué à juste titre la continuité de l'approche de Viallat, sa fidélité aux principes établis dès le départ. Mais doit être également soulignée sa détermination à transgresser les règles qu'il s'est imposé, d'aller souvent à la limite dans les confrontations colorées, dans les associations de tissus', insiste Alfred Pacquement dans le catalogue de l'exposition.
A partir de la forme abstraite, toujours identique, qu'il répète depuis cinquante ans, dans une démarche continue où le support est déterminant, 'chaque peinture est pourtant singulière'.
Le travail de Claude Viallat est aujourd'hui incontournable et son approche revêt une actualité toute particulière au vu du développement de la jeune scène américaine qui retravaille son héritage (pauvreté du matériau, répétition, exploitation de l'erreur, réflexion sur la surface) mais aussi de la revalorisation du vernaculaire et des pratiques artisanales dans la création contemporaine internationale.
Son oeuvre est présente dans de nombreuses collections publiques dont celles du Musée National d'Art Moderne de la Ville de Paris, du Mnam - Centre Pompidou, du Moma (New York). Le Musée Fabre à Montpellier lui a consacré une grande rétrospective à l'été 2014.
Nouv.
